Publicaciones de Guendy (JLCP) (398)

Luz y Tinta Nº 100

Por fin, hemos llegado al número 100, este número mágico en el que confluyen las aspiraciones de los números anteriores, de todos los números precedentes. Desde el número 0 no hemos dejado de crecer. Iba a escribir ‘mejorar’, pero no me corresponde a mí enjui- ciar la trayectoria de calidad que hemos venido siguiendo desde aquel lejano día. Han sido muchos los meses ocupados en confeccionar esta revista que tantas satisfacciones nos viene dando. Para ello, solo hemos seguido una norma: hacer aquello que nos gusta y hacerlo como pensamos que puede gustar a nuestros lectores que, por cierto, han ido creciendo mes a mes hasta llegar a las cifras actuales, realmente motivadoras: en el momento en que escribo, el número 99 está a punto de alcanzar las 17.000 visitas, una cantidad realmente notable que, no es por sacar pecho innecesariamente, muchas publicaciones seguramente envidiarán.

El crecimiento ha sido innegable y satisfactorio; por eso, como motivo de este número, hemos elegido el ala delta, como símbolo de nuestro afán por volar y volar, ascender poco a poco y seguir persiguiendo metas que en este momento sería incapaz de considerar. De momento, es preciso asimilar lo hasta ahora realizado, procurando no sucumbir al éxito: no todo está conseguido, aunque la euforia de esta celebración pudiera hacernos pensar lo contrario. Por eso hemos llevado a la portado esa bombilla, icono que se ha utilizado desde siempre para identificar la generación de las ideas.

Y ese es el deseo que quisiera expresar en este número 100: que no nos abandonen las ideas, ni por supuesto la colaboración de nuestros impagables colaboradores, capaces de rellenar este mágico número 100 con aportaciones literarias y fotográficas que nos han llevado a un ejemplar de casi 700 páginas, símbolo de la vitalidad de nuestra revista Luz y Tinta. Casi 700 páginas, efectivamente, de modo que su visión y su lectura puede colaborar a rellenar este tiempo extra que nos han regalado con el confinamiento a que nos somete ese invisible pero todopoderoso virus, Covid-19, por mal nombre coronavirus.

Porque mientras nosotros, imitando el título de Juan Marsé, estamos encerrados con nuestro juguete, este número 100, fuera ruge la marabunta de ese coronavirus del que tanto habrá que hablar.

Entre las cosas más sensatas que he podido leer sobre esta reclusión a que nos obliga esta pandemia, destaco lo que decía el microbiólogo español, Julio Martínez Aniceto: “Se salvan más vidas evitando que haya enfermos que tratándolos”. Esto que puede parecer una perogrullada es en cambio una máxima que debe guiar nuestras reflexiones. Evitar antes que tratar, lógicamente, una enfermedad que nadie vio venir, que nadie en su sano juicio puede decir que estuviera a la vista hasta que nos golpeó de lleno; y ello, su imprevisión y la sorpresa de su ataque, así como la dureza de sus efectos imprevisibles hace meses, a pesar de esa legión de inconscientes que, en lugar de centrarse en buscar escenarios para aportar ideas centradas en combatir la enfermedad, aprovechan la situación para arrimar el ascua a su sardina, instalados en una pugna política que tiene mucho de rapiña electoral y muy poco de lealtad institucional.

Nosotros, mientras tanto, aquí seguimos, trabajando con luz y con tinta, con fotogra- fías y con textos, celebrando nuestras cien ediciones —y alguna más que algún día habrá que recontar, para recordar los especiales—, lamentando que las otras actividades que teníamos previstas se hayan tenido que quedar en la nevera y deseando a nuestros colaboradores y lectores que el coronavirus sean solo un tropezón en nuestra andadura por una vida que todos deseamos larga y provechosa. Y por cierto, acompañada por nuestra revista, Luz y Tinta, cuyas más de 600 páginas en esta edición pueden contribuir a hacer más llevadero el tiempo inevitable, y esperemos que eficaz, confinamiento.

Francisco Trinidad

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Este mes recomendado dos libros, para intentar llevar mejor la cuarentena del coronavirus.

Gustavo Gili ha publicado una pequeña y primorosa obra destinada a aquellos que desean acometer con seriedad la tarea de producir una película, un corto o, un documental … Se llama Guía para hacer tu propia película en 39 pasos y viene firmada por Matt Thrift.

¿Hay alguien ahí que no haga vídeos? Hoy en día la mayoría de nosotros,  fotógrafos o no, hacemos videos para YouTube, para mandar a los amigos, para compartir con la familia, para documentar una escena, para el trabajo… Por esta razón, tener un cierto conocimiento o de lo que influye en que una narración audiovisual resulte atractiva es una buena idea.

Guía para hacer tu propia película en 39 pasos, va un poco más allá de ofrecer simplemente los consejos necesarios para grabar un video ocasional. En realidad, esta obra enumera de una forma muy sucinta pero exhaustiva todos los aspectos que intervienen en el rodaje de una narración fílmica que podría ser una historia familiar, pero también un corto o un documental con ambiciones.

Matt Thrift ha escrito una guía compacta en su presentación y muy bien editada que proporciona información de referencia sobre todos los elementos que intervienen en un rodaje cinematográfico y en la posterior edición de la cinta. Tiene además preciosas ilustraciones artísticas.

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El libro viene dividido en cuatro capítulos, los tres primeros coinciden con la preparación, el rodaje y la posproducción de una película. El cuarto está dedicado a una serie de recursos de utilidad para el lector entre los que podemos encontrar desde una descripción de lo que significan los distintos planos cinematográficos (plano corto, plano americano, plano master, etc.) hasta direcciones de internet donde podemos encontrar música para las narraciones, herramientas para construir los guiones, el software para edición de audio, etcétera.

La estructura de cada uno de los apartados incluidos en los diferentes capítulos es sencilla y se repite sistemáticamente. La mayoría de los temas se desarrolla en tan sólo dos páginas estando una de ellas ocupada por las ilustraciones que acompañan al texto y que, como decía antes, son artísticas, no necesariamente explicativas o didácticas.

Por otra parte, a lo largo del libro vamos encontrando una sección que bajo el título “ Lista de visionados” nos sugiere cinco películas de la historia pasada y reciente del cine cuyo contenido ilustra adecuadamente los conceptos desarrollados a lo largo de las páginas precedentes. De cada una de las películas el autor destaca específicamente por qué resulta un buen ejemplo de aquello que él quiere resaltar.

Teniendo en cuenta en la amplitud del tema abordado – todos los aspectos relacionados con un rodaje- y que la guía contiene solamente 136 páginas, nos podemos dar cuenta de que no nos encontramos ante un libro que trate en profundidad cada uno de los temas sino, antes al contrario, una obra que llama nuestra atención sobre todos y cada uno de los aspectos que debemos tener en cuenta y nos da una sucinta pincelada de lo que implican y conllevan.

Dicho de otra manera, podríamos considerar que nos encontramos ante un libro que pone en orden todo aquello que deberíamos aprender para llegar a desempeñarnos con soltura en la materia.

El libro puede adquirirse en el siguiente enlace: Guía para hacer tu propia película en 39 pasos

 

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La Editorial Taschenha reeditado recientemente el libro La Fotografía del Siglo XX, una obra extensa en páginas pero de formato reducido, que pasa revista a los grandes nombres de este arte a través de las obras presentes en la colección del Museo Ludwig de Colonia.

Por su cuidada edición y contenidos es un volumen que se presta a convertirse en un buen regalo de Navidad, especialmente para aquellos que comienzan a interesarse por el arte de la fotografía a través de su Historia o para quienes deseen descubrir otros nombres importantes, más allá de los fotógrafos estrella que todos conocemos.

Quizás unos números ayuden a entender cuáles son los puntos de referencia y el fundamento de La Fotografía del Siglo XX. El Museo Ludwig atesora una impresionante colección fotográfica. Fue fundado en 1976 pero desde entonces ha tenido la habilidad de reunir 9.300 fotografías de autores fundamentales del siglo XX, una cifra comparable con la propia colección fotográfica del MOMA.

Sobre esa sólida base se ha creado este libro que contiene cerca de 900 imágenes de 278 fotógrafos. Entre ellos, hay nombres tan significativos como los de Ansel Adams,Richard Avedon, Cecil Beaton, Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, Doisneau, Kertesz,Lucien Clergue, Edgerton, Eisenstadt, Phillippe Halsman, Horst P. Horst, YousufKarsh, Dorothea Lange, Walker Evans, Laszlo Moholy-Nagy, Helmut Newton, IrvingPenn, Man Ray, Bettina Rheims, August Sander, Streichen, Stieglitz, EdwardWeston, Les Krims o muchos más.

El criterio empleado por los responsables del libro para presentar su contenido, se basa en la ordenación alfabética de los autores. Uno tras otro van desfilando por las páginas del libro con un esquema de contenidos flexible. A cada autor se le dedica un espacio que varía entre una y doce páginas y, además de las imágenes reproducidas en ellas, hay un texto esquemático que incluye un apunte sobre el autor, datos biográficos básicos,estilos e incluso alguna cita.

Esta estructura “desestructurada” no sirve para contar la Historia de la Fotografía cronológicamente ni ordenada por estilos o géneros sino para ponernos ante los nombres más importantes de ella y permitirnos ver algunas de sus imágenes más significativas. Ese es el valor y el propósito del libro que sirve para educar visualmente el ojo del lector y también para inspirar a aquellos que además de admirar la Historia de este arte, lo practican.

El libro tiene 760 páginas encuadernadas en tapa dura y cosidas con hilo por lo que se trata de un volumen destinado a perdurar. Está editado con mimo y muy bien impreso, con una cuidada fotomecánica y unos ajustes de plancha perfectos que permiten ver las fotografías con una gran riqueza tonal. Para quienes adquieran este libro a través de Internet, es importante que tengan en cuenta su tamaño para no llamarse a engaño. La obra tiene unas dimensiones de 14 por 20 centímetros, lo que implica que el tamaño de las fotografías reproducidas en su interior, que muchas veces no están a toda página, es reducido y tienen, por tanto, un gran valor referencial pero no están pensadas para apreciar las fotografías en sus detalles.

El libro puede ser adquirido en este enlace: La Fotografía del Siglo XX

Y si te interesa la Historia de la Fotografía contada de una manera estructurada, échale un vistazo a este otro libro: Fotografía. Toda la Historia

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Luz y Tinta nº99

 

8 de Marzo

Cuando acababa de salir el número anterior de LUZ Y TINTA, me escribió Claudio Serrano, desde Madrid, preguntándome si pensaba hacer algo especial en este número 99 cuya fecha de salida está próxima al día 8 de marzo, en el que se celebra el Día Internacional de la Mujer. Serrano, lógicamente, me decía que en el caso de hacer algunas páginas especiales a él le gustaría escribir sobre las mujeres de Nadima.

La verdad, no estaría mal lo de mi amigo Claudio; y no estaría mal ese número especial en que se dé voz y foto a las muchas y buenas fotógrafas que integran Moldeando la luz. Lo pensé algunos días y, aun viéndole posibilidades, acabé desechando la idea, más que nada porque últimamente ando liado en otros proyectos que me absorben y dedicarle más tiempo a LUZ Y TINTA me resulta casi imposible.

Aun así, le agradecí a Claudio Serrano su idea y desde aquí reitero mi agradecimiento y me la apunté en esa agenda de proyectos pendientes que crece día a día, pero que servirá en el futuro para orientar mi trabajo.

Nunca está de más agradecer a la mujer, a todas las mujeres, su pre- sencia y su trabajo en nuestras vidas; y nunca está de más, por supuesto, reconocer su lucha en pos de la igualdad y, en la medida de lo posible, apoyarla. Y más en un día como hoy que las propias mujeres han elegido como motor y fecha clave de sus muchas reivindicaciones pendientes.

Sin embargo, miro el sumario de este número y, aunque no se ha perseguido un homenaje ni siquiera un reconocimiento, el equilibrio es bastante ajustado. El cuento de Gloria Soriano tiene su correlato en el Repertorio de Fotógrafos Españoles, donde ex aequo hablamos de Pilar Albajar y Antonio Altarriba que nos muestran una pequeña parte de su labor creativa como fotógrafos. Lógicamente, como en números anteriores contamos con la colaboración de Nadima (Shibina Nadegda), que en su serie nos retrata a dos mujeres, una madre y una hija; y a Irina Dzhul que nos recrea un bosque umbrío con una ninfa que le da a los árboles dimensión humana. Ricardo “Completu” nos trae uno de sus reportajes con una terrorífica barbera de protagonista y, lógicamente, entre las fotos destacadas hay tanto de hombre como de mujer, fotos elegidas por sus cualidades y no por el sexo de su autor ni de los personajes retratados.

En fin, que sin haber pretendido un número especial entiendo que las mujeres están bien representadas en nuestra revista, como lo han estado en números pasados y como estarán en los venideros. Lo que no excluye que en su día, aunque no sea 8 de marzo, dediquemos un número o unas páginas especiales a estas mujeres que nos han acompañado desde siempre y que le dan a la fotografía de Moldeando el carácter que realmente tienen.

Como escribo precisamente el día 8 de marzo, no me queda más que felicitar a todas las mujeres en este día que en algún momento se conseguirá que sea únicamente de celebración y no de vindicación.

 

Francisco Trinidad

Notas.

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Taambién se puede ver y leer desde esta misma página a continuación:

 

 

Nota:

El video que acompaña al Descenso del Galiana, tiene una duración de cuatro horas, ya que está grabado todo el descendo, puedes moverlo a tu antojo, entre otras cosas los primeros 25 minutos no tienen ningún interés.

 
 
  
 
 
 
 
 
 
 


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Aprende a fotografiar productos como un profesional (editorial Gustavo Gili) es un breve e interesante libro en el que, de la mano de su autor, Martí Sans, el lector puede adquirir los trucos de la fotografía de producto necesarios para realizar de forma eficiente fotografías de alimentarias, bodegones publicitarios, imágenes de catálogo, etc.

Se trata de un libro sencillo pero integral puesto que en sus 148 páginas (16×22 cm) desgrana uno a uno todos los elementos que intervienen en la creación de este tipo de imágenes, desde el boceto y la iluminación a la posproducción.

Yo creo que la creación de bodegones e imágenes de producto es el género más artesano de la fotografía. No quiero decir que no pueda ser artístico – Chema Madoz es un reconocidísimo artista cuyas imágenes son casi sin excepción bodegones- sin embargo, tengan una finalidad artística, ilustrativa o publicitaria, lo cierto es el bodegón requiere que el fotógrafo realice mucho trabajo de “taller” antes de que sus composiciones estén listas para ser fotografiadas.

Al mismo tiempo, otra de las características de la fotografía de producto es el reposo con el que puede ser hecha. No hay que captar el momento, no hay que salir a buscar localizaciones, no dependes de modelos o maquiladoras… es, la mayor parte de las veces, el fotógrafo y su ingenio a solas frente al reto y la dificultad de conseguir determinada una imagen.

Aprende a fotografiar productos como un profesional desarrolla sus doce capítulos de una manera muy sistemática. Para empezar, Martí Sans centra al lector en el género con una referencia muy breve a las imágenes de bodegón en la historia y unos apuntes sobre el proceso creativo y el trabajo de preproducción.  Explica cómo se desarrolla la idea, se realizan los primeros bocetos, cuáles son los roles de las personas implicadas, como se preparan los presupuestos, etc.

Vienen luego dos capítulos dedicados a las herramientas del oficio, es decir, en este caso cámaras, objetivos, soportes y el equipo de iluminación con las distintas fuentes que se pueden emplear y los modificadores disponibles.

A partir de ahí, lo que hace el autor del libro es ofrecer capítulos destinados a contener y explicar distintas casuísticas de tipo de fotografía de producto. Habla de los fondos, de la luz polarizada y la polarización en el objetivo, de cómo fotografiar objetos con brillos cómo las botellas o unas gafas, cómo conseguir profundidad de campo más allá de la que ópticamente puede proporcionar el objetivo, etc. En todos los casos, estamos hablando de capítulos y subapartados breves y esquemáticos aunque suficientemente explicados, donde unos párrafos de texto y un esquema de iluminación explican la realización de la fotografía que ilustra el epígrafe.

En bastantes de los ejemplos utilizados por Martí Sans para explicar la realización de diferentes tipos de fotografía de producto, es fundamental la posproducción. Muchas de las soluciones a problemas fotográficos complejos que el autor aborda en las páginas del libro se resuelven mediante la toma de varias imágenes que, posteriormente, deben ser combinadas en esa posproducción. Por ello, el penúltimo capítulo de la obra está dedicado a este tema.

Martí Sans habla de la separación de frecuencias, el enfoque por apilamiento, el Dodge and Burn y otras técnicas de laboratorio digital y retoque. En mi opinión, esta parte del libro es válida para aquellas personas que poseen conocimientos previos de Photoshop. El autor ofrece
en cada técnica que explica todas las explicaciones necesarias pero, en mi opinión, sólo quienes tengan un manejo medio o alto de Photoshop serán capaces de seguir con soltura las explicaciones e implementarlas en su flujo de trabajo.

Considero que Aprende a fotografiar productos como un profesional es un buen libro que sistematiza mucha información y da consejos útiles y prácticos, totalmente aplicables cuando el lector necesite acometer la realización de fotografías con retos similares a los planteados en la obra y que son muy frecuentes en la fotografía de producto. Me parece también un acierto que la editorial Gustavo Gili haya planteado este título como un libro breve que, pese a su buena factura, puede distribuirse con un precio muy asequible.

El libro puede ser adquirido desde este enlace: Aprende a fotografiar productos como un profesional

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Luz y Tinta nº 98

Presentación

Vértigo

Algo tienen los números redondos, algún tipo de magia encierran, porque, cuando se celebra algo especial se busca siempre un número de esos que llamamos redondos: 10, 100, 1.000... Recuerdo con cierta ironía cómo al aproximarse el año 2.000 se pusieron en cuarentena todas las alarmas y los gurús de turno nos cantaron —con canto de sirena enamorada— todas las posibilidades del fin del mundo, o de cierta parte del mundo: sin ir más lejos, iban a dejar de funcionar todos los ordenadores si no les cambiábamos un algoritmo o una rabia de esas que podían imposibilitar el cambio de siglo. También recuerdo haber leído, aunque esta sea otra historia, los muchos temores que desencadenó el milenio o, sea, la llegada del año 1.000, con los monjes de todos los monasterios y cenobios rezando para que no descarrilara el mundo. Nada pasó en el 1.000 y nada pasó en el 2.000, como no pasará nada en el 3.000 si el mundo aguanta hasta entonces, que aguantará.

 

Y todo ello, creo yo, por la magia o el misterio que encierran los números redondos y que desde Luz y TinTa llevamos tiempo viviendo en carne propia. A pasos cada vez más firmes se nos acerca el número 100, todo un reto que jamás hubiéramos soñado en los orígenes. Pero el tiempo pasa y hemos sido capaces de aguantar hasta aquí, número 98 ni más ni menos. Dentro de dos números habremos de enfrentarnos a ese número especial. Y no sin cierta sensación de vértigo.

Es cierto que cada número, sea este 98 o en su día el 12, el 37, el 65 o cualquier otro, encierra un reto, a modo de escalón de esta escalera sin final que es nuestra revista. Cada día tiene su afán, dijo el clásico, y cada número tiene su intríngulis, diremos para ponernos cursis, si se nos permite. Y tanto esfuerzo —y tanta satisfacción al verlo terminado— encierra un número como otro. Incluído el 100, claro.

Aunque al ser un número redondo, un número de esos tocado de una magia especial, sirve también para la reflexión. Para decir alto y claro: “hasta aquí hemos llegado”; y no dejaremos por ello de mirarnos en el espejo de los días y de afirmar que hemos llegado por nuestros propios méritos, sin ayudas ajenas, sin subvenciones ni dineros ajenos, sin premios, sin más reconocimiento que el de nuestros lectores, fieles mes a mes, fieles a una forma de hacer y de entender que nos enorgullece compartir.

100 números de Luz y Tinta. Casi nada. O casi todo. 100. Esta misma semana, hablando con un fotógrafo de élite internacional al que entrevistaremos en un próximo número, al recordarle que estamos ya en el número 98, me dijo: “Sois unos héroes”. No es que seamos héroes ni que tengamos un poder especial, se trata sencillamente de que tenemos un número de lectores de una especial fidelidad; lectores que nos acompañan desde el número 0, que nos hacen llegar sus sensaciones a través del post de Moldeando la luz y que con su fidelidad y sus opiniones nos dan el suficiente impuso como para proseguir en la tarea.

Por eso, la próxima llegada del número 100 nos da sensación de vértigo, aunque lo que ahora realmente preocupa no es este número redondo sino los que vendrán después. Porque la responsabilidad y el compromiso habrán de ser más altos, efectivamente, y con ellos nuestro nivel de exigencia para que se mantenga el listón bien alto y, siempre que sea posible, para poder subirlo. Aunque sea poco a poco.

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Luz y Tinta nº 97

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PRESENTACIÓN

Suma y sigue

Después de unos días de nervios y de tensión personal porque este número me desbordaba y porque se confabularon en mi contra todas las iras del azar y hasta me alcanzaron algunas esquirlas de la explosión final de ese big bang en que se ha convertido la política española de los últimos tiempos, escribo finalmente esta presentación el día 13 —no soy supersticioso, pero nunca se sabe— cuando han prometido sus cargos los nuevos ministros del gobierno de España presidido por Pedro Sánchez, mientras unos sonríen esperanzados y otros rechinan los dientes ame- nazando con el Apocalipsis en una mano y con la letra del Cara al sol en la otra.

A pesar de la mala hostia —permítaseme el obligado desgarro— de Pablo Casado, perdedor convencido de su cruel destino; a pesar del San- tiago y cierra España del señor Abascal, de quien Dios nos guarde; a pesar de la huida hacia adelante del grupo de Ciudadanos, perdido en la inocencia fundacional del nuevo Mesías que no era finalmente Albert Rivera. A pesar, en fin, de la sonrisa trufada de insomnio de los nuevos ministros y de sus cargos inferiores, por no hablar de otros obligados comparsas, la vida sigue indiferente muchas veces a los cantos de sirena del destino político.

Y aquí es donde nos encontramos. La vida sigue. Y Luz y Tinta sigue. Y sigue con un ímpetu que a todas luces parece imparable. Las páginas que componen este ejemplar son un claro ejemplo. Para no superar las 300 páginas, en este número, que se nutre de quimeras y de sueños como todos los proyectos literarios, hemos tenido que prescindir de algunos trabajos que es posible echen de menos algunos de nuestros siempre atentos lectores.

En primer lugar, mi cuento mensual, que se ha quedado en la nevera, esperando al próximo número, para que mi firma no sea omnipresente y para que las páginas de este número 97 no se nos disparen más allá de lo que ya lo han hecho.

Pero faltan además otros trabajos que, por su falta de compromiso con el calendario más inmediato, pueden esperar sin ningún desgaste temporal al número 98: el artículo sobre Cuba de José María Ruilópez, el siempre interesante e instructivo “viaje” de Juan Depunto, el corres- pondiente al Repertorio de Fotógrafos españoles y la pregunta mensual —Todo lo que querías preguntar y...— que todos los meses nos pone en contacto con los secretos de la fotografía.

El próximo mes tendremos estas colaboraciones, completando el nú- mero correspondiente y marcando el calendario que, día a día, e inexo- rablemente, nos lleva hasta el número 100, esa apuesta en la que Luz y Tinta diseñará su ilusionante futuro.

Francisco Trinidad

 

 

 

Fe de erratas/

Página 3 Nuestra foto de portada donde dice  Jesús Rodríguez, debería decir Jesús Álvarez Rodriguez.

Pagina 7 donde dice “ Tubo mucho que ver mi amigo…” debería decir “Tuvo mucho que ver mi amigo…”

 

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Cerca ya de la festividad de Reyes, aunque cualquiera de los libros recomendados a lo largo del pasado años son muy interesantes y apropiados para hacer un regalo, este mes os recomendamos dos libros, sin duda una excelente decisón si se trata de un regalo para amantes de la fotografíaL El Arte del revelado de Fran Nieto y este fotografía de macro de Robert Thompson.

El popular campo de la macro fotografía cuenta con un nuevo título en español, Fotografía macro y de aproximaciónArte y práctica que es un libro escrito por el especialista en la materia Robert Thompson. Este fotógrafo es un irlandés autodidacta se fue especializando con el paso de los años en la fotografía de insectos y consiguió diversas becas para desarrollar sus trabajos como coleccionista y entomólogo. Fruto de su profundo conocimiento de la especialidad, tiene en el mercado muchos títulos (no traducidos al español salvo este) especializados en distintos aspectos de la fotografía macro y de aproximación.

Fotografía macro y de aproximación. Arte y práctica es un libro que va a resultar de gran interés para cualquiera que desee iniciarse o perfeccionar sus conocimientos sobre fotografía de plantas e insectos. Robert Thompson aborda muchos aspectos y lo hace con profundidad suficiente, no excesiva, para que la lectura resulte amena pero formativa al mismo tiempo. El libro carece de contenido teórico y todo lo que en él figura son enseñanzas nacidas directamente de muchos años de práctica fotográfica con aseveraciones y consejos que cualquier especialista en la materia podría suscribir al cien por cien.

El libro tiene 304 páginas y viene dividido en cuatro partes. En la primera de ellas, Fundamentos digitales, el autor hace una aproximación somera a los fundamentos de la fotografía digital y habla de balance de blancos, formatos de archivo, histogramas, uso del flash, el trípode, el valor ISO… Puede que esta sección resulte superflua para los ya iniciados, pero será de gran utilidad para quienes empiecen a dar sus primeros pasos en fotografía.

La segunda parte entra de lleno en la materia de la macro fotografía y con doce subcapítulos desarrollados cada uno de ellos en pocas páginas, introduce conocimientos sobre la utilización de las distintas distancias focales, la incidencia de las condiciones climáticas a lo largo del año, los accesorios que el autor considera más útiles, cómo montar un estudio al aire libre, etcétera

Sin lugar a dudas, la tercera parte, llamada Casos de estudio, es la más original del libro. En ella Robert Thompson introduce once casos de otros tantos trabajos fotográficos, y desarrolla con todo género de detalle los distintos aspectos fotográficos y no sólo fotográficos que inciden en la realización del proyecto. Habla sobre cómo fotografiar libélulas y caballitos del diablo, mariposas, polillas, larvas, hongos, líquenes, etc. Al tratarse de un verdadero experto en el mundo natural por sus muchos años de dedicación al mismo, Thompson deja en estas páginas multitud se observaciones sobre, por ejemplo, el desarrollo de las larvas, sus fases, los mejores momentos para fotografiarlas, y otra serie de detalles que, sin duda, requieren muchos años de observación hasta llegar a adquirir esos conocimientos o un libro como éste, que nos los brinde en una sola lectura.

Finalmente, el libro se cierra con una cuarta parte dedicada al flujo de trabajo digital y a la presentación de los originales. Es un capítulo corto con ideas sobre cómo clasificar y presentar el trabajo realizado.

El libro puede adquirirse a través de este enlace: Fotografía macro y de aproximaciónArte y práctica

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Libros recomendados Enero 2020

Después de alcanzar un gran éxito en su petición de financiación a través de Verkami, Fran Nieto ha publicado en la colección FotoRuta su tercer libro titulado El arte del Revelado Digital y lleva como subtítulo Descubre los secretos de la edición digital. Se suma a otros dos títulos presentes en la misma colección y de los que ya dimos cuenta en su momento: El arte de la composición. Enriquece tu mirada fotográfica y La Fotografía Macro. Descubre todos sus secretos.

Gracias a la financiación de más de 350 mecenas, Fran Nieto se ha podido plantear n libro extenso -400 páginas- para poder desarrollar con desahogo todo lo relacionado con la temática que plantea el título. En realidad, ésta queda transcendida en sentido estricto por los contenidos ya que, más allá del “revelado” digital, el autor entra de lleno en temas relacionados con el retoque y la edición con asuntos como el HDR, el trabajo por capas, las panorámicas, el apilamiento para eliminar ruido o para aumentar la profundidad de campo, el retoque de retratos, etc. También el primer capítulo excede la temática y se entra en conceptos generales de fotografía digital con temas como el histograma, la exposición correcta, el formato de imagen, etc.

Teniendo en cuenta que Fran Nieto es docente de fotografía, yo diría que estamos ante el libro de un profesor que no quiere que ningún alumno se le quede descolgado por falta de conocimientos previos y que desea que los más avanzados puedan ir más allá de los planteamientos básicos.

Tras el capítulo de conceptos generales a lo que ya he aludido, Nieto introduce dos epígrafes específicamente centrados en el revelado básico y el revelado avanzado respectivamente. Ahí es donde pone las bases para exprimir las posibilidades del negativo digital y sacarle todo su valor expresivo mediante Adobe Camera Raw o Lightroom. El desarrollo de los conocimientos es preciso, detallado, paso a paso y lleno de imágenes de apoyo para no perderse en el proceso.

A partir de ahí, toca avanzar en el tratamiento de la imagen lo que para el autor supone meterse en Photoshop con un capítulo de cerca de 100 páginas. En ellas habla de las capas, las selecciones, los ajustes de luminosidad, los de color, las máscaras de capa y de luminosidad, los pinceles… es decir, un curso acelerado para entender y empezar a manejar Photoshop y dominar sus conceptos más fundamentales. Todo esto se complementa con el capítulo de edición avanzada donde toca entre otras cosas el paso a blanco y negro.

Se completa el libro con dos capítulos más, uno sobre la gestión del color y otro más sobre el acabado de la imagen.

Creo que esta obra es muy rica en contenido, y que puede ser muy útil para una amplia gama de fotógrafos. Tengo que decir que su metodología a la hora de disponer el contenido me desconcierta porque no acabo de ver claro el criterio a la hora de incorporar contenidos adicionales al título y no entiendo por qué hay cosas como que la separación de frecuencias o el Dodge and Burn que se tratan por duplicado en diferentes capítulos. En cualquier caso, como digo, todo lo incluido es útil y el lector lo agradecerá.

Por añadidura, Fran nieto ha creado una página de Facebook con una serie de videotutoriales de pago y desde ella interactúa con los lectores-seguidores, lo que no deja de ser una interesante experiencia docente.

El libro puede adquirirse en este enlace: El arte del Revelado Digital

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ESPECIAL COLOR ROJO

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De siempre, el color rojo ha sido el símbolo de la sangre, de la pasión, del fuego. A poco que uno se pierda y no lo aconsejo en páginas de internet que hablen de la simbología del color rojo acabará encontrando otras variaciones sobre este mismo tema que siempre llevan a lo mismo: la fuerza que transmite este color. Fuerza que se hace evidente .en el caso que nos ocupa, la Semana Temática del color ROJO en Moldeando la luz; una semana de una altísima participación y de una fortísima calidad. Indiscutible calidad e indiscutibles también los múltiples puntos de vista con que se ha abordado la propuesta de los administradores: rojo. Y aquí la creatividad se ha desbordado como suele ser habitual en cuantas propuestas de este tipo se ponen sobre el tapete de la participación colectiva. El rojo ha sido aquella palanca que reclamaba el sabio para mover el mundo y ha sido, sobre todo, el motor de múltiples propuestas que permítaseme el desplante cursi enrojecen nuestro mundo circundante: cuando uno acaba de darle un somero repaso a todas las fotos presentadas se deja embargar por la idea de que el mundo está teñido de rojo, de que los moldeadores participantes en este evento han sido capaces de trasladar su punto de vista a la entraña misma de la creatividad. En las páginas que siguen se recogen las fotos participantes en el evento. Sin más aditamento que el nombre del autor de cada toma al que preceden uno o dos dígitos que son las menciones que la foto ha recibido como Favorita. Las fotos que no llevan ningún número son aquellas que no recibieron en su día ninguna de estas menciones sin que ello sea demérito alguno, del mismo modo que el haber recibido más o menos menciones no significa ningún tipo de ranking, sino una expresión más de la subjetividad que distingue al mundo fotográfico y a nuestra red social, por supuesto. S volviéramos a colocar las fotos en otra semana de votación los resultados serían quizás muy otros, pues la calidad de todas las fotografías es indiscutible, lo único que las distin gue es el punto de vista de quien las ve y las analiza. Sujeto y momento han llegado a este resultado que hoy conforma nuestra publicación. La portada de este número especial de Luz y Tinta la ocupa una foto de Guendy, especialmente realizada para esta edición. Rojo y Navidad, como tema central, lógicamente, pues en estas fechas andamos, y más hoy, 28 de diciembre, día en que los españoles solemos gastar bromas más o menos ‘inocentes’. Guendy ha querido reflejar metafóricamente a Camarito saliendo de la revista Luz y Tinta en manos de la modelo Aliss Blond, que tantas páginas ocupara en nuestro número 96 y que hoy nos sirve para desear a nuestros lectores unas felices fiestas y un próspero año 2020.

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Luz y Tinta 96

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PRESENTACIÓN

Balada del carbón y el clima

 

Se celebra estos días en Madrid la cumbre mundial del Clima, que nos invita a reflexionar sobre las posibilidades de supervivencia de nues- tro planeta si seguimos tratándolo y maltratándolo como hasta ahora. Con el insólito protagonismo de una adolescente sueca de 17 años, Gre- ta Thunberg, los políticos y los expertos reunidos en Madrid intentan trazar las líneas maestras de por dónde debe caminar nuestro futuro ambiental para que la agonía que estamos viviendo no se traduzca en muerte a corto plazo.

 

Por otra parte, días atrás, en torno al 4 de diciembre, los mineros asturianos y los de otras partes de España han celebrado la festividad de Santa Bárbara, esa santa de la que solo nos acordamos cuando truena. Aprovechando esta celebración se recuerda a los fallecidos en acciden- tes mineros y se declina la nostalgia en todos sus casos. Son muchos los que a día de hoy deploran la desaparición de las minas de carbón y aprovechan cualquier resquicio del calendario para entonar su réquiem y elevar sus brazos al cielo, clamando contra quienes perpetraron lo que ellos creen tal arbitrariedad, pues se resisten a creer que pueda existir un mundo mejor más allá del carbón. No se añoran, lógicamente, las du- ras condiciones del trabajo en la mina, los accidentes que con el trabajo en tales condiciones se generan, la degradación ambiental de las comar- cas mineras y tantos otros inconvenientes que acarrea la extracción del carbón. Se añora el grado de prosperidad perdido y el trozo de pastel de la riqueza que el carbón ha dejado de aportar.

Unir ambos recuerdos ahora, cumbre del Clima y final de la minería, puede parecer una ocurrencia y sin embargo se me antoja de los más oportuno. El carbón fue nuestro principal nexo de unión con la revolución industrial, que tiene como símbolo máximo la máquina de vapor, movida por carbón lógicamente, y el motor de la economía asturiana durante décadas. Todo ello con el impacto ambiental consabido y con su influencia en lo que hoy llamamos cambio climático y cuya evolución tan sujeta está a la predominancia de los combustibles fósiles.

El problema de fondo es que, llegado el fin de ciclo del carbón, no se han buscado alternativas al carbón y que las ayudas que han llegado en forma de ‘fondos mineros’ o de subvenciones a empresas alternativas al carbón no han sido en realidad soluciones sino caramelos envenenados en ocasiones y en otras, fracasos empresariales presagiables, de modo que al declive de las comarcas mineras se ha unido esa sensación de fracaso y de escepticismo que acompaña también a cuantas cumbres como la que se ha celebrado en Madrid hemos tenido hasta ahora, con aquel Protocolo de Kioto como mascarón de proa y como esta de Madrid, que ya algunos expertos califican como insatisfactoria cuando no como un brindis al sol.

Parece, pues, que de la cumbre de Madrid va a quedar una fecha en el calendario, algunos propósitos expresados con la boca pequeña y el recuerdo de esa niña sueca que han convertido en símbolo de una lucha por los titulares y por los links en redes sociales de efímero com- promiso. Al igual que del carbón queda la nostalgia de algunos viejos mineros, la frustración de un par de generaciones que habíamos creído en la posibilidad de un cambio de rumbo y sobre todo una hasta ahora desaprovechada arqueología industrial de viejo cuño. Y por supuesto, la fiesta de Santa Bárbara, con su gastado oropel.

Francisco Trinidad

 
 

 

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Libro recomendado para Diciembre

Firmado por Desiré DelgadoFotomontaje Creativo es el título de un nuevo libro que Anaya Multimedia acaba de publicar dentro de su sello PhotoClub y que enseña paso a paso cómo utilizar imágenes para crear fotocomposiciones.

Para quien no la conozca, Desiré Delgado es una joven artista española que se mueven entre la ilustración y la fotografía, campos en donde es autodidacta pero en los que ha conseguido desarrollar un estilo propio que, a juzgar por el número de sus seguidores en redes sociales, ha enganchado con el gusto de un segmento del público.

Se puede decir, sin temor a equivocarse, que este libro es ante todo muy personal y bastante “milenial” en su estilo de expresión y también en la estructura con la que Desiré ha desarrollado la obra, su obra. No estamos ante el volumen de un maestro de la fotografía que plantea los temas de forma canónica, sino ante las páginas de una joven artista que comparte con lectores-seguidores consejos provenientes de su vida y su día a día.

El libro se divide temáticamente en tres partes. La autora empieza por contar en la primera de ellas todo aquello que tiene que ver con el proceso creativo visto desde un punto de vista totalmente práctico. Ahí le dice al lector desde que es importante tener un espacio de trabajo ordenado o hacer ejercicio físico, hasta cómo evitar la procrastinación o la importancia de llevar siempre una libreta a mano. Dicho de otra manera, nos cuenta las cosas que para ella han sido, son importantes para mantener un flujo creativo.

En el segundo bloque temático es, en cierto modo, un cajón de sastre. Habla Desiré en él sobre asuntos materiales como las cámaras, el ordenador, la iluminación, los recursos de banco de imagen… pero también de temas como el estilo, la composición o la importancia y manera de utilizar Internet y las redes sociales para compartir la creación y forjar una comunidad.

Finalmente, creo que para muchos de los seguidores de esta autora y para los potenciales lectores del libro, el tercer capítulo constituye el plato fuerte. La autora lo sabe y de hecho titula el bloque como Comienza la Diversión. Es aquí donde toma carta de naturaleza el título de la obra ya que en el centenar de páginas que contiene, desarrolla seis tutoriales paso a paso en los que explica el proceso de trabajo de sendos fotomontajes.

Esta parte del libro dará para varias horas de lectura máxime si el lector trata de emular los resultados conseguidos por la autora. Es importante señalar que esto último lo tendrá que hacer partiendo de sus propias fotografías ya que se la autora no pone a disposición del lector sus originales. Dado el tipo de fotografía que realiza Desiré Delgado, esto lo veo completamente lógico ya que son los elementos que llevan a la consecución de sus propias creaciones artísticas. La autora se ha cuidado de que en esta serie de seis tutoriales los haya más sencillos y más complejo y que sirvan para aprender a usar o a ver los efectos de diferentes herramientas o recursos de Photoshop.

Creo que uno de los valores de este libro es el de su singularidad ya que en el panorama editorial en español hay pocas obras que tengan el fotomontaje como temática principal, siendo así que para muchos aficionados ese es un tema de gran atractivo. Personalmente, me agrada mucho comprobar cómo una editorial española importante también apuesta por la edición de títulos de creación propia de autores nacionales, algo mucho más complejo y arriesgado que la simple compra de derechos y traducción de éxitos producidos en otros países. Bien por Anaya.

El libro puede adquirirse en este enlace: Fotomontaje Creativo

Si quieres conocer a la autora y escuchar de primera mano lo que cuenta de su libro, lo puedes hacer en el siguiente vídeo.

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Luz y Tinta nº 95

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PRESENTACIÓN

 

La foto que hemos elegido para la portada de este número 95 —me gusta recordar y de paso me pone nervioso la proximidad del número 100— no puede ser más representativa del tiempo en que estamos. Otoño. Antes se anunciaba un ‘otoño caliente’ cuando se preveía que iba a ser un otoño laboralmente conflictivo en el que habrían de afrontarse todas las cuestiones que se habían esquinado durante el verano. Este otoño viene bien caliente en lo político y bien frío en el aspecto meteorológico.

 

La política española lleva meses revuelta, inmersa en un otoño par- ticularmente inhóspito en el que han ido cayendo las hojas, irremisi- blemente, aunque en este caso son las hojas del calendario, marcando tiempos y apurando plazos, hasta llegar a una situación límite que se pretendió superar con la convocatoria de unas nuevas elecciones genera- les que lo que ha conseguido ha sido enrarecer un tanto más el panorama político y aupar a la extrema derecha a la grupa de un caballo que se pretende ganador. En el momento en que escribo estas líneas parece ser que hay una base de acuerdo para la conformación de un gobierno progresista, pero las hojas del calendario siguen cayendo y nadie ignora que, de no alcanzarse dicho compromiso, la amenaza de la ultraderecha pasará de ser un desafío más o menos desestabilizante a convertirse en una maldición. Y a nadie se le escapa que detrás del otoño viene el invierno y que a la caída de la hoja sucede inevitablemente un tiempo de vientos, de aguaceros y de nieves que en lo político pueden dar al traste con fundadas y necesarias expectativas de progreso.

 

Y ya que menciono metafóricamente nieves y temporales no está de más recordar que desde el pasado mes de septiembre la meteorología española, solidaria de la deriva política tal vez, se encuentra de lleno en una situación de inestabilidad que, desde aquella ‘gota fría’ de septiem- bre hasta ahora, no ha dado tregua, recorriendo la península de norte a sur y provocando daños materiales y situaciones de riesgo personales que han llenado de malestar nuestras páginas de sucesos.

 

En esta situación, hablar de Moldeando la Luz y de Luz y Tinta, que vienen a ser un remanso de paz en todos los sentidos, puede parecer una frivolidad y sin embargo es obligado. Moldeando la luz sigue su marcha tranquila, pero imparable —en el momento en que escribo cuenta con 1275 miembros, unos más activos que otros— desde la readaptación y migración dentro de la plataforma Ning. Luz y Tinta, por su parte, y a la vista está con solo hojear este número, goza de buena salud.

 

 

En este número hemos recuperado la colaboración sobre Cuba de José Ma Ruilópez que por razones que no vienen a cuento habíamos inte- rrumpido los últimos meses; y hemos incorporado una voz nueva, la del escritor asturiano Laudelino Vázquez, que a partir de ahora nos enviará sus cuentos, en los que es un auténtico superdotado, sin menoscabo de que en otras ocasiones baje a la arena fotográfica y nos comente fotos o series con su peculiar estilo.

 

haciendo notar. Pero las circunstancias perso- nales mandan y más cuando quienes editamos estas páginas contamos con tan pocos recursos personales. No pediremos, pues, perdón, sino paciencia, como en circunstancias anteriores. Eso sí, para compensar este retraso el próximo número lo sacaremos en la fecha prevista, 10 de diciembre. Como debe ser y como es habitual.

FRANCISCO TRINIDAD

 

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Libro recomendado de Noviembre

Anaya Multimedia, dentro de su sello FotoClub ha publicado Las claves de una buena foto, reedición de una obra de Fructuoso Navarro, fotógrafo español afincado en EEUU y autor de varios libros de carácter técnico como Fotografía de alto rango dinámico Fotografía 3D.  El subtítulo de esta obra explica bien su planteamiento: Introducción a la fotografía digital, una introducción eso sí, que abarca tanto los aspectos técnicos como los estéticos.

Antes de adentrarnos en el contenido del libro, es importante señalar que nos encontramos ante una obra que en su mayor parte es de carácter eminentemente teórico (hay un capítulo de ejercicios prácticos), en la que el autor pasa revista a todos los elementos técnicos y estéticos que concurren a la hora de crear imágenes fotográficas. 

Como explica el propio Fructuoso Navarro en la introducción del libro, éste se divide en tres apartados. El primero dedicado a los aspectos técnicos, el segundo centrado en cómo aprender a mirar y los aspectos artísticos de la composición; y, finalmente, el tercero propone al lector una serie de ejercicios prácticos que le ayuden a dominar algunas técnicas fotográficas básicas y pasa revista a los diferentes géneros fotográficos.

Con estas grandes divisiones como guía del contenido del libro, nos encontramos con que el primer apartado se desarrolla a lo largo de 7 capítulos en los que el autor aborda temas muy variados que en conjunto permiten entender a cualquiera que se inicia en la fotografía asuntos como los elementos y diferencias de las cámaras fotográficas, el funcionamiento del sensor y las diferencias entre los distintos tipos de sensores existentes en el mercado, el funcionamiento del obturador, el diafragma, el fotómetro de lacámara, los modos de medición, cómo se consigue una buena exposición, etcétera, etcétera. 

Digamos que con la lectura de este primer grupo de capítulos, cualquiera que se aproxima por primera vez a la captura de la imagen fotográfica es capaz de entender los fundamentos que subyacen en ella y, por tanto, puede llegar a tener criterio a la hora de decidir el tipo de cámara que más le conviene, entender en qué se diferencian unas de otras, para qué sirven los diferentes objetivos, cómo exponer, etcétera

Digamos que sí estos 7 primeros capítulos ofrecen una aproximación teórica a la base técnica de la fotografía los dos siguientes desarrollan la teoría estética sobre las reglas de la composición, algo tremendamente subjetivo a diferencia de los contenidos de los 7 primeros capítulos.

Finalmente, el libro se cierra con dos capítulos más uno que contiene seis ejercicios para que el lector ponga en práctica los conocimientos aprendidos a lo largo de la obra y el último con consideraciones sobre los principales géneros fotográficos: niños, retratos, deportes, viajes, etcétera.El libro puede ser adquirido en este enlace:  Las claves de una buena foto. Introducción a la fotografía digital

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Luz y Tinta nº94

 


Hay veces en que no queda más remedio que acudir al vértigo, siquiera como metáfora, para definir la situación de inestabilidad en que uno se encuentra. Inestabilidad que a veces no es tanto por desequilibrio personal cuanto por la inercia que provocan los sucesos exteriores. Uno de los elementos exteriores que más contribuyen a crear la sensación de vértigo es el paso inclemente del tiempo que, si se me permite la imagen, caminan a lomos de veloces caballos. Basta echar la vista atrás para darse cuenta de ello: casi sin darnos cuenta llevamos nueve años editando esta revista y, sin darnos cuenta, repito, o muy conscientes de ello, hemos venido introduciendo cambios, pretendiendo abarcar cada vez más nuestro espacio y pretendiendo sobre todo suplir carencias con imaginación y con el trabajo necesario para que se materialice. Si comparamos aquellos primeros números de Luz y Tinta, en los que no íbamos más allá de las 36 páginas, con estos últimos, en los que se rondan las doscientas, cualquiera puede darse cuenta de la sensación de vértigo que a uno le invade. Y no sin razón, porque desde la sala de máquinas, como recordaba en el número anterior, se nos pide “más madera”. Otro elemento que contribuye a mantener esta sensación es el paso inclemente de los días, los meses, las estaciones. Hace un mes escribía esta misma presentación desde el borde del Mar Menor, en Murcia, donde disfrutaba de unos días tranquilos hasta que se nos atravesó una “gota fría” tremenda en sus consecuencias para los vecinos de la zona que sembró de desasosiego a cuantos la vivimos en directo y a cuantos solo la vieron a través de las imágenes intranquilizadoras que transmitía la televisión. Mira uno hacia atrás y, cabalgando el vértigo de los días, la sensación de que todo es relativo crece: aún no hace un mes de aquellos días de lluvia y barro y sin embargo parece que se ha cerrado un larguísimo ciclo en el que hemos escuchado todos los comentarios y advertencias sobre el cambio climático que lógicamente habrá de acompañarnos en los meses y en los años venideros. Como habrá de acompañarnos, si Dios no lo remedia —y escribo consciente de mi agnosticismo irredento—, el viejo cantar de la insatisfacción política. La democracia tiene sus normas y una de ellas es que hay que dejar expresarse al pueblo a través de las urnas y esta expresión es la que debe regir el destino político y social de las comunidades. Claro que la convocatoria a las urnas no debe ser excusa para ocultar carencias o para enmascarar incapacidades. La convocatoria a las urnas debe marcar a los políticos el rumbo a seguir. Pero cuando éstos son incapaces de seguir el marcado por la brújula política o la rosa de los vientos de las elecciones entonces sí, y definitivamente, la ciudadanía se ve envuelta en una sensación que va más allá de la inestabilidad o la perplejidad y conduce directamente a la irritación y el enojo, cuando no al cabreo más inmediato. Que en cuatro años hayamos tenido cuatro elecciones generales y no se vea el desenlace de una madeja que solo los políticos con su lucha de egos han propiciado habla más de incapacidad política que de vértigo, aunque sea esta sensación la que nos domina sin alivio. Por eso cuando el 10 de noviembre pongamos en el kiosko virtual un nuevo número de Luz y Tinta, si Dios no lo remedia —repito, y ya no nos quedan más clavos ardiendo a los que agarrarnos—, estaremos inmersos en una jornada electoral a la que cabe pedir esencialmente que los políticos electos sean capaces de leer entre líneas y de anteponer los intereses ciudadanos al viento personal que a veces les lleva a mirarse el ombligo, cuando la solución está en un horizonte al que debieran mirar antes de variar el rumbo.

Francisco Trinidad

 

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Sin salirse de la revista se pueden ver los videos de: Lászlo Balassa, Li Wei y El desembarco de Normandía.

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Luz y Tinta nº 93

 

Presentación

 

Más madera

 

No es difícil recordar, ante cada nuevo reto, aquella por otra parte inefable escena de Groucho Marx en “Los hermanos Marx en el Oeste” alimentando la caldera de la locomotora y gritando “Más madera, es la guerra”. Más madera, efectivamente, aunque nosotros solo participemos en la guerra contra los lugares comunes; más madera, nos decimos a cada nuevo número de Luz y TinTa. A veces aportando nuevas ideas y nuevos retos; a veces sembrando iniciativas para números más adelante recoger frutos que poco a poco van enriqueciendo nuestra publicación, cada día más sólida en su apuesta por la calidad; calidad fotográfica y calidad literaria, que tanto monta, diríamos abonándonos al tópico, aunque huyamos de ellos como de la peste.

 

En este número incluimos una de estas apuestas y el futuro nos dirá el recorrido que le espera. Ya desde el principio nuestros lectores habrán advertido que la portada cambia con respecto de otros número. No se trata, como suele ser habitual, de una foto significativa, previamente publicada en Moldeando la luz. En este caso ocupa nuestra portada el rostro del cineasta Julio de la Fuente al que se entrevista en las páginas interiores. Y esta es nuestra apuesta de este número y nuestra propuesta para los siguientes: a partir de ahora, sin que nos marquemos una con- tinuidad número a número, sino que será el azar quien nos marque su propio destino, incluiremos entrevistas significativas y no siempre ni por obligación relacionadas con el mundo de la fotografía.

 

En otro orden de cosas, en los comentarios del número anterior, el 92, se nos ha pedido en más de una ocasión que incluyamos más “tinta” en cada número de Luz y TinTa; y se nos indica que el nivel fotográfico alcanzado es satisfactorio y que sería deseable un mayor número de colaboraciones literarias para equilibrar lo que desde el título parece proponerse a partes iguales. Posiblemente quienes lo proponen tengan algo de razón, pero desde la dirección de la revista me gustaría dejar dos reflexiones: el equilibrio entre la luz y la tinta está más logrado de lo que aparenta y de lo que quienes piden “más madera” literaria suponen. Un simple vistazo al sumario de este mismo número nos devuelve la imagen cabal de este equilibrio. No debemos olvidar que secciones como la de Nadima y Claudio Serrano aprovechan ese encuentro luminoso entre fotografía y literatura o que otras propuestas, como la del Repertorio de Fotógrafos españoles inciden en la misma visión, por no decir nada sobre las apuestas que pudiéramos considerar como exclusivamente literarias, como la de Gloria Soriano que siempre acompaña su texto de excelentes fotos.

 

Aún así, la dirección de la revista trabajará en números posteriores por incorporar más colaboradores literarios, dentro de la dificultad que supone convencer a los amigos para que aporten lo mejor de su arte de forma gratuita cuando es necesario comer todos los días y algunos más de una vez.

 

Francisco Trinidad

 

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A partir de ahora desde la propia revista se pueden ver videos que tengan relación con lo que se cuenta en sus página. Se inicia esta nueva función como no podía ser de otra forma a través de la entrevista al director de cine asturiano, Julio de la Fuente. En la página 15 de este número pinchando sobre las fotos del director impresas sobre una pelicula, se puede ver el trailer de la pelicula El último invierno.

 Y ahora también puedes verla desde aquí

NOTA NECROLÓGICA

Una vez cerrada la revista de este mes, la moldeadora IIona, nos trasmitió la triste noticia del fallecimiento de su compatriota el fotógrafo húngaro, László Balassa.

En Febrero de 2017 se publicó en Luz y Tinta una entrevista y la presentación de László,como fotógrafo.  Este controvertido fotógrafo premiado por sus fotografía social, miembro de la Federación de Fotógrafos Húngaros , de la  Keystone Press Agency y de National Geographic, nos deja a la edad de 42 años. En el próximo número recordaremos algunas de sus palabras y obras.

Descanse en Paz.

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Libros recomendados para el mes de Agosto. (2)

 

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La biblia del reportaje gráfico por Tino Soriano

 

Tino Soriano, reputado reportero español de larga trayectoria, ha sumado a su numerosa lista libros publicados un nuevo título: Ayúdame a mirar, la biblia del reportaje gráfico (Anaya Multimedia). Se trata de una obra diferente ya que, en esta ocasión, el autor no se centra en la imagen, sino que vuelca en una voluminosa publicación todo su conocimiento sobre la profesión que lleva tantos años desarrollando. 

A lo largo de 548 páginas divididas en 15 capítulos y 9 anexos, Tino Soriano compendia todo lo que alguien que desea convertirse en reportero gráfico debería saber: las dificultades y penalidades de la profesión, las posibles situaciones laborales y condiciones de colaboración, las características de un reportaje, la aproximación a las personas, la selección y edición de imágenes, la relación con el cliente, la venta, la promoción… todo. Incluye, por supuesto, un capítulo extenso dedicado a los derechos y restricciones legales que afectan al trabajo del reportero, fundamentalmente bajo la legislación española, aunque contiene también algunas alusiones a otras comunitarias o de otros países vecinos. 

Estamos ante un libro de lectura, que apenas contiene medio centenar de imágenes a modo de apéndice. En su abultado escrito, Tino Soriano no sólo incluye todo su conocimiento y opiniones sobre los temas, sino que además lo trufa con abundantes ejemplos sacados de la realidad y lo “ilustra” con abundantísimas citas de diversos autores, tanto reporteros como fotógrafos que han cultivado otras especialidades. 

En esta obra, el apartado de los anexos es digno de mención por su valor práctico. Como decía antes, son nueve y abordan temas tan dispares como el cálculo del coste del trabajo teniendo en cuenta la imputación de todos los gastos variables y fijos que afronta el fotógrafo, a los derechos y obligaciones de los clientes, la facturación, el posicionamiento en internet, etc. Es decir, un misceláneo que ocupa una treintena de páginas y aborda temas muy diversos pero que tienen en común su valor práctico. 

El libro está claramente dirigido a aquellos que están considerando la posibilidad de dedicarse profesionalmente al reporterismo gráfico y trata de ser realista en sus planteamientos. Esto significa, inevitablemente, poner sobre la mesa un montón de pegas y cortapisas que el fotoperiodista tiene que abordar en su día a día, el de una profesión que siempre ha sido muy dura pero que hoy en día tiene que afrontar por un lado, obstáculos nuevos derivados de una legislación cada vez más restrictiva y por otro lado, el deterioro de los medios de comunicación, cada vez más apalancados en la precariedad. 

El libro puede ser adquirido a través de este enlace:    Ayúdame a mirar, la biblia del reportaje gráfico

 

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Libros recomendados para el mes de AGOSTO.

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Fotografía nocturna creativa, una guía de Namor Pastor para iniciarse en el género

Dentro de su serie Consigue realizar 50 imágenes espectaculares, FotoRuta ha puesto en el mercado un título dedicado a la Fotografía Nocturna Creativa que viene firmado por Namor Pastor y mantiene la estructura general de esta colección, con una primera parte de teoría que deja paso a 50 imágenes del autor explicadas con detalle una a una.

La fotografía nocturna es una especialidad que gana adeptos día a día -quizás debiéramos decir noche a noche- y produce imágenes muy espectaculares en las que la capacidad del fotógrafo para crear situaciones y “realidades alternativas” sólo está limitada por su imaginación. Sin embargo, desarrollar esta potencialidad creativa requiere una serie de conocimientos especializados. No se trata tanto de teoría fotográfica como de la utilización de material y el desarrollo de técnicas de toma específicas.

Desde hace algunos años, Namor Pastor viene publicando fotografías nocturnas de escenarios tales como parajes naturales y edificios abandonados. En paralelo, ha desarrollado una actividad docente centrada en esta especialidad mediante talleres y salidas nocturnas a lugares emblemáticos, por lo que, a la hora de escribir el libro, conoce cuáles son las principales dudas y dificultades de quienes se inician en este campo.

En esta obra el autor ha reunido una colección de imágenes que enriquecen el conocimiento del lector por la amplia variedad de sus planteamientos. Casi cada una de ellas representa una situación única y en todas Pastor da cuenta de los detalles relativos a la localización, la idea, la iluminación y las dificultades que entrañaba su realización.

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En este tipo de fotografías, cobra especial importancia, que el autor explique, y así lo hace, el material empleado. Porque, más allá de la cámara, el objetivo y el trípode, es muy importante saber cómo usó y cuál era la fuente de iluminación potencialmente compuesto por un amplio abanico de materiales como bombillas, lana metálica, leds RGB, linternas, fuego, etc.

Por lo que respecta a la primera parte del libro, la teórica, hay que decir que Namor Pastor ha ido a lo esencial de la fotografía. Se centra en explicar los factores que influyen en la exposición, la profundidad de campo, el balance de blancos, el histograma, el ruido, etc.

Creo que para quienes estén pensando en iniciarse en esta especialidad fotográfica, este libro puede suponer una importante ayuda llena de conocimientos prácticos.

 

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Libro del mes de Julio

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¿Por qué la imagen no tiene que estar enfocada? cómo entender la fotografía moderna

 

He tenido la ocasión de hojear un interesante libro que lleva algún tiempo en el mercado, se titula ¿Por qué la imagen no tiene que estar enfocada? Entender la fotografía moderna (Promopress) y lo firma Jackie Higgins.

El título de esta obras no es exactamente descriptivo sino más bien orientativo. Hay un viejo chascarrillo entre fotógrafos según el cual “si tienes una foto desenfocada no la tires, mándala a ARCO” y parece que Higgins ha jugado con ese mismo concepto a la hora de ponerle título al volumen. Lo que la autora intenta hacer a lo largo de las 224 páginas que encuaderna el libro es darnos las claves para entender el concepto de fotografía artística y como ésta reinterpreta las claves de lo que es una “fotografía correcta”.

Entre las cien imágenes que la autora utiliza para estructurar todos los conceptos que desarrolla en su obra, hay, por supuesto, fotos que están desenfocadas mientras que otras lo que no han respetado es la nitidez, la correcta exposición, el equilibrio de color, el encuadre o, incluso, las reglas de la composición. Pese a esas transgresiones, todas las imágenes mostradas son obras de reconocido valor artístico cuyo empeño en no es representar la realidad sino crear fotografías que ponen ante el espectador una metáfora, una ficción o una poesía visual.

La lista de autores incluidos en el libro es tan diversa como importante. Susan Maisselas, Araki, Nan Goldin, Bruce Davidson, William Eggleston, Cartier-Bresson, Ed Ruscha, Francesca Woodman, John Baldessari, Sally Mann o Gregory Crewdson son algunos de los cien autores que ilustran con sus fotografías las páginas de este libro, con planteamientos creativos distintos y distantes.

Esta variedad hace que la autora del libro divida las obras incluidas en seis capítulos. Cada uno de ellos corresponde a un género fotográfico amplio: retratos/sonrisa, documento n/instantánea, bodegones/imagen congelada, narrativa/acción, paisajes/vistas y abstracción/disolución.

A la hora de la puesta en página y la maquetación, todas las obras reproducidas comparten un mismo esquema. Cada una de ellas se emplaza en una doble página que comparte con diversas piezas de información textual: la explicación de por qué se trata de una obra importante, una descripción de la aproximación al proceso ya la técnica empleada por el artista, el contexto histórico y artístico en el que surge, alguna cita sobre la fotografía reproducida, una lista de ejemplos de otras imágenes similares, y alguna información secundaria adicional.

¿Por qué la imagen no tiene que estar enfocada? Es una buena obra para la educación visual y artística del lector que bien puede ser un fotógrafo o, simplemente, cualquier persona interesada por la fotografía artística y los diversos caminos que transita.

En el libro puede ser adquirido en este enlace: ¿Por qué la imagen no tiene que estar enfocada? Entender la fotografía moderna

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