Moldeando la luz

Fotógrafos que no dejarán indiferente a nadie

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LIBRO DE DICIEMBRE DE 2014

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Fotografía panorámica de Alta Calidad (Anaya Multimedia) es el título del nuevo libro de José María Mellado, que llega a las librerías el próximo jueves 20 de noviembre aunque está ya disponible para su venta a través de Amazon.

Con esta obra José María Mellado completa una trilogía temática que empezó hace años con Fotografía de Alta Calidad, continuó con Fotografía Inteligente con Lightroom y se cierra ahora con esta obra dedicada a la composición de fotografías mediante en ensamblaje de varias tomas que dan continuidad a la imagen. Las tres juntas ponen al alcance del fotógrafo una serie de técnicas que le permiten conseguir imágenes de alta calidad con un flujo de trabajo eficiente orientado a conseguir resultados excelentes pero limitando al máximo posible el tiempo dedicado al “laboratorio” digital.

Como es de esperar en un libro técnico de Mellado, éste va dando detalladas explicaciones de los procesos que él sigue para montar panorámicas con dos programas especializados como son PTGui yAutoPano y sobre cómo resolver las distintas problemáticas que se plantean en el ensamblaje de fotografías: los elementos en movimiento, los porcentajes de solapamiento, las proyecciones, los problemas de alineamiento, el relleno de huecos…

Mellado se desnuda como acostumbra en sus libros para contar todos los consejos y forma de trabajo y flujos que él emplea en sus tomas y procesado. Da consejos sobre exposición, medición, uso de cabezales para trípode, elección de ópticas, procesado inicial de las capturas con Lightroom… en definitiva todo lo necesario para hacer la toma, procesar las imágenes, montar el panorama y hacer los ajustes finales por lo que el libro se puede considerar como equivalente a un completo curso sobre creación de panorámicas.

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El libro Fotografía Panorámica de Alta Calidad contiene numerosos paso a paso con indicaciones detalladas

Sin embargo, es de la  máxima importancia señalar que, más allá de la técnica, lo que hace Mellado a lo largo de toda la obra es brindarle al lector una forma de trabajar que permite al fotógrafo forjar una visión que supera las limitaciones de la óptica. Porque él no hace panorámicas para conseguir “fotografías alargadas” sino para posibilitar imágenes de ángulo muy amplio pero una con una visión “normal”, sin las esfericidades y deformaciones de los objetivos gran angulares y la peculiar estética que imponen las características físicas de sus lentes. Dicho de otra manera, le permite al fotógrafo lo que subraya el subtítulo de la obra “Libertad creativa. El secreto de mi fotografía”.

Otra enseñanzas importante del libro se deriva del empeño que pone José María Mellado en demostrar que la fotografía panorámica no es algo relacionado sólo con el paisaje. Mediante las imágenes que utiliza de ejemplo nos demuestra que es posible también aplicar la técnica panorámica tanto en fotografías urbanas llenas de elementos en movimiento, como en fotografías de acción.

El contenido del libro viene distribuido en 6 capítulos. Empieza hablando de los Fundamentos de la fotografía panorámica y sus atractivos. Posteriormente le dedica tres capítulos consecutivos a las Técnicas de captura con todas las reglas aplicables a ésta; el Revelado, donde se extiende en la forma de trabajar con Lightroom las distintas imágenes, su sincronizción y la superación de problemas de exposición; y la Obtención del panorama, con instrucciones detalladas tanto para Autopano como para PTGui. El quinto capítulo viene enunciado como de Técnicas avanzadas y en él aborda la problemática de las alineaciones defectuosas, del movimiento en la zona de alineación, el relleno de huecos y la deformación. Finalmente, el último capítulo es una interesantísima selección de Casos de estudio en los que Mellado disecciona cómo ha realizado algunas de sus fotografías más conocidas (todas ellas montadas como panoramas) y otras que son inéditas pero tanto unas como otras ejemplifican casuísticas y dificultades cuya resolución supone una verdadera masterclass, o varias, de creación de panorámicas.

Con toda sinceridad, tengo que quitarme dos veces el sombrero ante este libro, una para saludar al autor por su contenido y planteamiento, y la otra ante Anaya Multimedia que ha producido y editado una obra magnífica con acabados propios de libro de arte. De hecho, yo diría que el volumen es un híbrido entre el libro de autor y el libro técnico. Contiene 264 páginas encuadernadas en tapa dura con sobrecubiertas y es de gran formato ya que tiene unas medidas apaisadas de 30×23 cm. Esto nos ofrece a libro abierto 60 centímetros de ancho, un tamaño que permite disfrutar magníficamente de las muchas fotografías reproducidas a doble página o página completa.  Anaya Multimedia ha publlicado este libro en su sello FotoClub y en esta ocasión, al tratarse de una producción propia y no de una traducción de una obra de otra editorial, el equipo creativo ha demostrado su capacidad para diseñar una magnífica puesta en página con un diseño que realza y está a la altura del contenido de José María Mellado.

El último libro de José María Mellado se puede adquirir a través de este enlace: Fotografía panorámica de Alta Calidad 

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Gracias a su formato apaisado es posible apreciar muchas fotografías como si nos encontráramos ante un libro de arte

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LIBRO DE NOVIEMBRE DE 2014

Cómo leer una fotografía, un libro que explora los fundamentos de la fotografía: Pese a haber sido inventada hace menos de 200 años, creo que nadie puede hoy imaginar un mundo sin fotografías. Las fotografías pueden ser banales pero al mismo tiempo son imprescindibles porque se han vinculado indisolublemente con nuestra forma de aprender, y de analizar el mundo que nos rodea. Siendo algo tan importante en nuestra vida, parece bastante lógico que nos preocupemos por reflexionar y entender qué hay detrás de una imagen. cómo se lee y se decodifica y que complejidades – no me refiero a las técnicas- encierra. Ese es el planteamiento con el que Richard Salkeld  ha escrito el libro  Cómo leer una fotografía (Editorial Gustavo Gili) que es una introducción a la teoría y el significado de las imágenes. Salkeld, es profesor titular de Historia y Teoría del Arte y de la Fotografía en la Escuela de Arte y Diseño de la Universidad de Gloucestershire, Gran Bretaña.  Y desde esa posición, ha escrito un libro que es un interesante ejercicio teórico para quienes se consideran estudiosos o curiosos de la imagen, no simplemente fotógrafos practicantes.

Salkeld resalta en la introducción del libro el hecho de que producimos diariamente millones de fotografías de una forma instintiva y guiada por la práctica, que no requiere ni reflexión ni planteamientos previos sobre lo que estamos haciendo. Evidentemente, para hacer buenas fotografías no es necesario desarrollar planteamientos teóricos como tampoco es necesario saber de cata para tomar un buen vino, pero el conocimiento, en uno y otro caso, acaba haciendo posible un disfrute más profundo y matizado de lo que uno hace. foto

 En esta enseñanza de lectura fotográfica que propone el libro, Salkeld dedica el primer capítulo a hablar de la invención de la fotografía y cómo los principios de la fotografía afectan a nuestro modo de entender su significado y al hecho de que muchas veces el espectador adopta el papel del fotógrafo como si al ver la fotografía viera la realidad contemplada por quien la tomó, en lugar de una representación que es en sí misma un objeto.

El siguiente capítulo está dedicado a la semiótica, “La lectura de los signos” se llama y muestra cómo dar sentido a las fotografías puede entenderse como un proceso de lectura y cómo hay en él connotaciones, denotaciones y significantes de distintos tipo.

“Verdad y mentiras” es el enunciado del siguiente apartado y en él se analiza la relación de la representación fotográfica con el mundo que representa y cuestiona hasta qué punto se puede decir que una fotografía refleja la realidad. Incluye interesantes reflexiones sobre el realismo, la manipulación fotográfica, la manipulación de la escena y la representación.

En “Identidad” el profesor Salkeld escribe sobre el retrato de estudio, el retrato ambientado, el subjetivo… y en general sobre el papel de la fotografía en relación con la identidad individual y su efecto sobre cómo nos vemos y vemos a los otros.

En “El gran hermano te observa” la atención del autor se vuelve sobre cómo la fotografía se ha utilizado como una herramienta de vigilancia y voyeurismo. Habla de la fotografía policial, la fotografía en la medición del cuerpo, en los estudios sobre la locura, de Google Streetview…

Y finalmente, antes de llegar a la conclusión, el capítulo seis aborda la “Estética” y con ella la relación, que el autor califica e incómoda, entre el arte y lo que significa afirmar que la fotografía es arte. Como el resto de los libros de la colección Manuales de fotografía creativa aplicada de Gustavo Gili, éste libro está especialmente orientado a ofrecer a los estudiantes de artes visuales una exploración fundamentalmente teórica de los fundamentos de la fotografía.

Las 184 páginas del libro se leen con sencillez por su estilo y su lectura y asimilación aporta un interesante bagaje para cualquiera interesado por la imagen ya sea fotógrafo o no.

José Luis Cuendia

 

LIBRO DE OCTUBRE DE 2014

Un libro con inspiración, consejos y técnica: El alma del fotógrafo

Toda regla tiene su excepción y el libro El alma de la fotografía. Los secretos y técnicas de las fotografía... (Anaya Multimedia photoClub) es una excepción porque viene a demostrar que, a veces, segundas y terceras partes pueden ser no buenas sino extraordinarias. Es el caso de esta obra que sigue la línea de La mirada del fotógrafo. Los nuevos secretos y técnicas detrás de l... yde Foto Inspiración. Los secretos y técnicas de las fotografías más so...

Como las anteriores entregas, El alma de la fotografía es un libro recopilatorio con un centenar de imágenes soberbias seleccionadas por la comunidad fotográfica 1x.com. Se trata de una comunidad-banco de imagen-galería que únicamente expone fotografías con un altísimo nivel de calidad. Concretamente, sólo el cinco por ciento de las fotografías recibidas pasa el filtro de un jurado compuesto por diez profesionales dedicados a comisariar las obras que ven la luz.

A partir de esa magnífica base de imágenes se produce cada año un libro que contiene solo un centenar de imágenes y por eso no es de extrañar que todas ellas tengan una extraordinaria calidad y sean el tipo de obras de las que todo fotógrafo querría ser autor.

El libro viene dividido en trece capítulos que se corresponden con otras tantas categorías de fotografía: fotografía abstracta, acción, arquitectura, niños, fotografía documental, fotografía urbana, paisajes, macrofotografía, fotomontajes, fotografía nocturna, naturaleza, retratos y bodegones.

Tanto la calidad de reproducción como la encuadernación en tapa dura con sobrecubiertas, acercan este libro a la categoría de libro de arte, pero para el fotógrafo es algo más que eso ya que cada imagen viene acompañada de una página de texto en la que se da una información sucinta sobre el autor, se cuentan las circunstancias y características de la toma, se explica el trabajo de postprocesado llevado a cabo y, en muchos de los casos, se aportan consejos relacionados con el tipo de fotografía realizada.

No hay mucho más que decir de esta obra, simplemente recomendarla efusivamente como un libro lleno de inspiración y el mejor hacer fotográfico.

El libro puede adquirirse en este enlace: El alma de la fotografía. Los secretos y técnicas de las fotografía...

José Luis Cuendia 

LIBRO DE SEPTIEMBRE 2014

El último libro de fotografía de Michael Freeman se titula en español El registro de la luz: El alma de la fotografía (Blume) y creo que está destinado a convertirse en un clásico no sólo de la larga lista de obras de Freeman, sino de la literatura sobre fotografía en general.

El registro de la luz no habla de cámaras ni de objetivos o sensibilidades. Diserta única y extensamente sobre la luz natural en todas sus posibles formas y enseña al fotógrafo a comprenderla para extraer los mejores frutos al trabajar con ella.

El libro viene dividido en tres apartados referidos a cómo puede el fotógrafo trabajar con la luz: Esperar, perseguir y ayudar.  El primero se dedica a las situaciones de luz que son planificables y gestionables aunque resulten pasajeras y efímeras como la hora mágica.  El segundo, Perseguir -Chase en la versión inglesa- está a caballo de las dos posibles traducciones de la palabra, perseguir es una y cazar la otra. Y, de hecho, el capítulo versa sobre esas situaciones inesperadas y esquivas que el fotógrafo no puede esperar de antemano que se produzcan, simplemente ocurren y él tiene que ser capaz de capturarlas. El capítulo de Ayudar tiene que ver con todos los recursos que están a  disposición del fotógrafo para modificar o modelar la luz  desde los  difusores, los reflectores o la luz de relleno al trabajo de procesado.

Este libro de Michael Freeman está muy lejos de parecerse a la obra al  uso sobre “la iluminación en fotografía”. Su planteamiento es completamente distinto y su  profundidad muchísimo honda. La mayoría de los libros de iluminación en fotografía hablan de los días soleados, de los nubosos, de la hora mágica… pero el registro de la luz profundiza y disecciona. Así por ejemplo, al hablar de los días nublados, tiene subcapítulos dedicados a luz gris, luz gris suave, luz gris oscura o luz gris húmeda. Cuando llega al atardecer ofrece apartados sobre la hora dorada,  la hora mágica y el ocaso azul y así con el resto de las situaciones abordadas.

Todas las fotografías de esta obra tienen la autoría de Freeman -un reputado profesional  especializado en fotografía de viajes y arquitectura- y representan en su mayoría paisajes, escenarios y personajes exóticos. Como ilustraciones tienen sin embargo una valía general puesto que el efecto sobre el sujeto de la luz de una ventana rebotada en una superficie es algo universal y por tanto sus características y naturaleza, son aplicables a cualquier sujeto y lugar.

La estructuración del libro se hace mediante la maquetación de los contenidos en conjuntos de dobles páginas cada uno de los cuales tiene un sentido completo. Incluye siempre una fotografía grande y luego un apoyo gráfico que puede incorporar otras imágenes de la serie o similares y, en la mayor parte de los casos, esquemas que ayudan a comprender los conceptos explicados.

El registro de la luz. El alma de la fotografía tiene un formato prácticamente cuadrado (25,5 x 26 cm) cuenta con 256 páginas, está encuadernado en rústica y ha sido cuidadosamente impreso en China con una gran calidad

El libro puede adquirirse en este enlace: Registro de la luz: El alma de la fotografía

UN LIBRO DE BOUDOIR GRATUITO Y EN ESPAÑOL, EDITADO EN LA MISMA PLATAFORMA DE LUZ Y TINTA.

La fotografía de boudoir es una tendencia de moda, yo no sé si hay más fotógrafos deseando practicarla que clientas dispuestas a contratar o prestarse a una sesión de este estilo, pero lo cierto es que cada dos por tres se organizan talleres y sesiones colectivas de fotografía de boudouir que no es otra cosa que una fotografía sensual y respetuosa con la modelo que busca poner de relieve su atractivo físico en ropa interior o sin ella.

Hace algún tiempo hablamos de un libro de éxito en español de una de las fotógrafas internacionales más exitosas en el campo de la fotografía de boudoir, Fotografía Boudoir. El arte de la sensualidad deChrista Meola una obra que  ha sido un éxito de ventas y que podéis ver reseñada en esta página.

Sin embargo hoy quería poner al alcance de todos los lectores un libro gratuito de fotografía de boudoir de un profesional puertorriqueño, Jesús Bernardo, especialista en boudoir y premiado por la Asociación internacional de Fotógrafos de Boudoir (AIBP) que ha tenido la generosidad de hacer y poner gratuitamente a disposición de todos los aficionados y profesionales un libro sobre  esta especialidad en el que recoge un poco de todo y sistematiza su experiencia.

La obra de Jesús Bernardo se llama El libro de fotografía boudoir y está disponible en Issue. Es un tomo de 104 páginas  con un contenido variado y práctico dividido en 20 secciones que incluyen teoría sobre el tipo de cuerpos, consejos para las sesiones, múltiples ejemplos de distintos estilos y tipos de fotografía boudoir, algunos esquemas de iluminación, entrevistas con fotógrafos de éxito dedicados a este género, etc. Todo ello acompañado de numerosas fotografías de distintos autores que van enlazadas a sus respectivos sitios web por lo que resulta muy fácil la consulta de los autores de referencia, como la deSusan Eckert, cuya fotografía encabeza este post.

Como Jesús Bernardo es bilingüe en español y en inglés ha publicado el libro en ambas lenguas. Desde el cuadro que aparece más abajo se puede enlazar con la versión española del mismo.

 

tp://issuu.com/jesusbernardo/docs/librodefografiaboudoir/c/slcy6lc

http://issuu.com/jesusbernardo/docs/librodefografiaboudoir/1?e=3730...

 José Luis Cuendia

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LIBRO DE AGOSTO 2014

FOTOGRAFÍA DE AVENTURAS Y EN CONDICIONES EXTREMAS

Un libro sobre fotografía de aventura y en condiciones extremas par...  fotografía de viajes

 El mundo, en general, está dominado por norteamericanos e ingleses y el mundo de la edición también. Por eso resulta muy grato tener la oportunidad de comentar un nuevo libro de fotografía editado por Anaya Multimedia que es obra de dos fotógrafos españoles, Kris Ubach y Roberto Iván Cano, dos jóvenes profesionales freelancers que colaboran desde hace años con numerosas revistas de viajes mientras que recorren el mundo captándolo en imágenes.

El libro en cuestión se llama Fotografía de aventura y en condiciones extremas y es una recopilación de imágenes que retratan lugares hermosos en 47 localizaciones en los cinco continentes, pero con mayoría de destinos europeos, eso sí muy poco frecuentados como las islas Svalbard, las islas Orcadas, Varmland, Inari… y muchos otros lugares del Viejo Continente que para la mayoría de quienes residen en él resultan ignotos.

A la hora de seleccionar las fotografías para este libro, Kris Ubach y Roberto Iván Cano han tomado como premisa que cada fotografía sea una imagen memorable y que las características de la toma impliquen un cierto grado de dificultad, no desde el punto de vista técnico, sino  una dificultad ligada a las circunstancias metereológicas del lugar o del viaje que les llevó hasta él.

El libro Fotografía de aventura y en condiciones extremas presenta sus fotografías divididas en 10 apartados. Unos están relacionados con las condiciones del lugar (humedad, frío, viento, noche, aridez) o de la toma (aéreas) o de la inaccesibilidad de la localización (lugares remotos) y los tres últimos tienen que ver con las técnicas utilizadas en la postproducción de las fotografías (efectos creativos, blanco y negro, panorámicas).

La estructura de la información presentada junto a las fotografías es común en todas las secciones. Se dedica una página a reproducir la imagen y otra al texto y, a veces, a una imagen complementaria. El texto se plantea como un relato en el que se contextualiza la imagen y se narran las dificultades inherentes a las circunstancias que rodearon la toma. Hay también una columna ocupada por los datos técnicos (cámara, lente, diafragma, etc.) y un breve comentario de teoría o práctica fotográfica directamente relacionado con la imagen reproducida.

Creo que este libro resulta atractivo para un amplio espectro de públicos tanto aficionados como aspirantes a ser profesionales de la fotografía de viajes ya que a ambos les pondrá en contacto con las dificultades, la paciencia y los sacrificios que son necesarias para conseguir una buena imagen, y les hará también conscientes de que son muchos los factores que pueden alinearse o torcerse para arruinar o convertir en éxito una toma.

Fotografía de aventura y en condiciones extremas está publicado dentro de la colección photoCLUB de Anaya Multimedia y comparte formato cuadrado (22,5 x 22,5 cm) y encuadernación en tapa dura con otros títulos de esta colección dedicados a la fotografía de autor como Relatos VisualesFoto Inspiración o La Mirada del Fotógrafo.

El libro puede ser adquirido en este enlace: Fotografía de aventura y en condiciones extremas-- 

José Luis Cuendia 

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LIBROS JULIO 2014

CALIBRAR EL MONITOR

 Un detallado manual con el que aprenderás a ajustar finamente tu monitor para poder apreciar los verdaderos colores de tus imágenes. No se limita a decirte quÚ botón has de pulsar sin más explicación, sino que te explica en todo momento el porqué de cada cosa. Es el resultado de un largo y profundo estudio sobre la gestión del color en las pantallas de la mano de uno de los mayores expertos en la materia.

-Descubrirás qué pasos previos conviene hacer antes de empezar

-Aprenderás cómo debe ajustarse la iluminación de la sala para trabajar con fotografías, así como a fabricar unas viseras para tu pantalla

-Verás qué es un espacio de color, un perfil ICC , la curva de gamma, las tablas LUT...

-Ajustarás el monitor usando software gratuito, tanto en Windows como en Mac

- ...y usando los calibradores más populares: EyeOne, Spyder4, Colormunki...

-Podrás usar programas avanzados: SpectraView Profiler y BasICC olor Display

-Sabrás calibrar un proyector digital y una TV

-Aprenderás qué configuración necesitan diversos editores, programas para revelar RAW, visualizadores, navegadores... para que utilicen la calibración del monitor

-Todo está explicado paso a paso con un lenguaje claro y sin tecnicismos innecesarios

-Este libro te garantiza un buen resultado: reproducir fielmente los colores para verlos tal y como realmente son.

Autor: Rodríguez Alonso, Hugo

Editorial: MARCOMBO, S.A.

ISBN: 9788426719942

Páginas: 302

Edición: 3ª

EAN: 9788426719942

 Precio: 19,90 €

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EL UNO EL OTRO

La fotografía de Alisa Resnik inspira una combinación inquietante de temor y dolor. Sus retratos evocan una belleza humana sorprendente y compleja. Sin embargo, también hay momentos de una sutil tristeza que el tiempo se ha encargado de disolver y que nunca podrán recuperarse.

o            Documento fotográfico galardonado con la 20. edición del premio European Publishers Award for Photography, 2013.

o            En su obra, la autora, Alisa Resnik, combina imágenes tomadas en su mayoría en Berlín, durante la noche. Escenas plomizas, cucharillas grasientas, vestíbulos abandonados, viejas habitaciones de hotel con sutiles sensaciones del pasado, y rostros humanos... miradas apresuradas, pequeños gestos torpes, manos que buscan apoyo, fotografías de dolor y dureza: seres humanos que asemejan aves dispuestas a abandonar su nido en busca de comprensión y romper el cristal de su soledad.

o            La fotografía de El uno El otro es una forma de detener un momento y profundizar en una realidad inefable, para traspasar la habitualmente dolorosa dicotomía entre el sujeto y el objeto.

o            La fotografía de Alisa Resnik inspira una combinación inquietante de temor y dolor. Sus retratos evocan una belleza humana sorprendente y compleja. Sin embargo, también hay momentos de una sutil tristeza que el tiempo se ha encargado de disolver y que nunca podrán recuperarse.

Uno de los elementos esenciales de esos momentos es el hecho de que Resnik no se considera a sí misma una fotógrafa. Para ella, la cámara es solo una herramienta. Lo fundamental es el encuentro, y su objetivo es la conexión humana. Las imágenes son fortuitas, momentos a evaluar con posterioridad y valorar solo si respetan la autenticidad del encuentro.

 Autora

Alisa Resnik (nacida en 1976 en San Petersburgo, Rusia) se trasladó a Berlín (Alemania) en 1990. Tras estudiar Historia del Arte en Berlín y Bolonia, empezó su trabajo fotográfico en 2008. Su obra se ha expuesto en Roma, Milán, Madrid y Arlés, y ha sido seleccionada en PhotoEspaña 2009 (Descubrimientos) y en el Musée Suisse de l'appareil Photographique (Vevey). Fue galardonada en el Winephoto Contest en 2008 y 2009.

36,00 €

34,62 € (sin IVA)

selección de  José Luis Cuendia

JUNIO 2014

World Press Photo 2014

Libro del World Press Photo 2014, una referencia obligada para amantes de fotoperiodismo.

La fuerza de la fotografía de prensa profesional es innegable y no cede terreno frente al vídeo, la televisión y, mucho menos, ante la avalancha de fotografías de mala calidad realizadas con teléfonos móviles en cualquier acontecimiento.

El libro World Press Photo 14 (editorial Blume) es el catálogo oficial de la 57 edición del World Press Photo, el concurso de fotoperiodismo más veterano y prestigioso del mundo que en su última edición atrajo la participación de más de 5.700 fotógrafos de 132 nacionalidades. Se trata de una obra apasionante de ver y leer porque, página a página, cada fotografía y cada reportaje con sus pies de foto explicativos nos asombran poniéndonos en contacto con realidades unas veces cotidianas otras altamente inusuales pero todas llenas de interés y plasmadas con la fuerza gráfica del ojo del reportero profesional que sabe estar cerca del acontecimiento y captarlo en imágenes de fuerte impacto visual.

Este libro de 158 páginas editado en España por la Editorial Blume e impreso en Alemania, recoge todas las imágenes galardonadas en la 57 edición del World Press Photo. En total presenta 151 fotografías de prensa correspondientes a los nueve apartados que entran a concurso: Temas contemporáneos, vida cotidiana, temas de actualidad, noticias de actualidad, gente-el entorno, gente-retratos, naturaleza, deportes de acción, deportes-crónicas. De cada uno de ellos reproduce las fotografías correspondientes a los tres primeros premios tanto de la categoría fotografías individuales como de reportajes gráficos. El conjunto de todo ello es una colección impresionante, una avalancha de imágenes de todos los lugares del mundo que reflejan los grandes acontecimientos, las catástrofes de origen humano y natural, el entorno cotidiano, los protagonistas de la vida, y todo lo que rodea a la actividad del hombre en la tierra.

Una visión al conjunto de las fotografías presentadas permite ver claramente cómo estas imágenes galardonadas por ser buen fotoperiodismo no son fruto de la casualidad del haber estado allí sino que responden a un saber hacer de profesionales dedicados que, en la mayoría de las ocasiones, han dedicado un largo tiempo a hacer un seguimiento de los temas para construir una historia y poder ofrecer su visión personal de ella. Quien contemple este libro desde la óptica del lector de prensa lo disfrutará porque es una magnífica recopilación del acontecer del mundo, pero quien además tenga el interés de convertirse o perfeccionarse como fotoperiodista encontrará en él valiosas enseñanzas implícitas en cada una de las fotografías y series fotográficas que se presentan en este libro.

El libro puede adquirirse en este enlace: World Press Photo 14--

José Luis Cuendia

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MAYO 2014

“Aquí, tan lejos”, de Pentti Sammallahti

Pentti Sammallahti es uno de los fotógrafos fineses más relevantes. De entre los 13 libros que ha publicado, “Aquí, tan lejos” es una trayectoria de medio siglo con una evidente ambición retrospectiva. En él, Sammallahti relata en imágenes un viaje personal y trascendental que lo lleva desde Finlandia hasta Nepal, Italia, Marruecos o la India, confrontándolo con el concepto de la creación misma y de sus resultados a través de paisajes y retratos muy contemplativos.

Henri Cartier-Bresson incluyó una de las imágenes de Sammallahti en su colección personal de sus 100 fotografías preferidas.

En fotografía, como en música, estilos diametralmente opuestos pueden casar a la perfección en los gustos de una persona. Y esto es lo que le ocurre a la fotógrafa Lourdes Segade, que es quien nos recomienda este libro: “Está totalmente alejado de lo que hago y de lo que me suele interesar, pero es una auténtica joya, de una belleza y una perfección indescriptibles. Cuanto más lo miro, más detalles descubro en él y más quiero mirarlo.”

 

Foto: Pentti Sammallahti

Editorial: Blume | Páginas: 256 páginas | Precio: 50 euros | Más información: Blume 

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“Martín Chambi. Photographs, 1920-1950”

Quechua de origen muy humilde, Martín Chambi es el fotógrafo peruano por excelencia. Comparado con autores de la talla de August Sander, Edward Weston o el propio Ansel Adams, Mario Vargas Llosa vio magia en sus fotografías. En su obra, documento social de enorme valor, se adivina un gran conocimiento de la sociedad andina.

Aparte de motivos personales, para para  Juan Manuel Castro Prieto “Martín Chambi es el fotógrafo modelo”. El autor madrileño se deshace en elogios al hablar de Chambi: “Ha sabido reflejar el modo de afrontar la fotografía que a mí me parece más interesante. Sus imágenes tienen una personalidad que no he visto en ningún fotógrafo. Conocí su obra en una exposición en 1982 y quedé fascinado. Su forma de componer y de entender la luz es prodigiosa. Sus fotografías son como ventanas, tienen luz propia.”

Foto: Martín Chambi - Editorial: Smithsonian Books | Páginas: 115 | Precio: 40 euros | Más información:Smithsonian Books | Amazon

.José Luis Cuendia

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ABRIL 2014

(también este mes recomendamos dos libros muy interesantes

De mi tierra a la Tierra – Sebastião Salgado. Memorias

Editorial “La Fabrica”

“Al que no le guste esperar no podrá ser fotógrafo”. Así comienza este libro de memorias de Sebastião Salgado, contando la estrategia que tuvo que seguir para fotografiar a una tortuga gigante en la isla Isabela de las Galápagos. Fotografía que forma parte de su última exposición “Genesis” de la que hable en mi post anterior. Y en cuya visita aproveche para adquirir este libro editado por “La Fábrica”.

Las memorias están escritas en colaboración don Isabelle Franq, y en ellas Salgado nos cuenta anécdotas, curiosidades y la forma de afrontar sus principales reportarjes: “La Mano del Hombre”, “Éxodos”, “Otras Américas” y por supuesto “Génesis”, a la vez que nos va mostrando su faceta de hombre comprometido, desde sus ideales de izquierdas, con su pais, su historia, la naturaleza, y el Planeta en general. Todo esto siempre desde su faceta de fotógrafo ahora y de economista en un principio.

En el libro también nos cuenta parte de su trayectoria personal y profesional. Su decisión de dejar el mundo de la economía por el de la fotografía, su paso de la Agencia Magnum a Amazon. Aborda cuestiones como el reto que le supuso abandonar el mundo de la fotografía química por la digital, y los imponderables que le llevaron a tomar esta decisión a mitad del proyecto Génesis.

Dice Salgado que Génesis es su carta de amor a la naturaleza, pero que esto no le hizo olvidarse de los humanos, sino todo lo contrario, y de hecho en estas memorias no habla de muchas de los largos períodos que ha pasado con multitud de tribus casi desconocidas, como la tribu Zo’é de la Amazonia, una tribu que no conoce la violencia, y en la que jamás hay peleas, no conocen el “no” , y no tienen  ningún dios ni principio trascendental. O las tribus de las tierras altas de Etiopia, donde a veces le contaban que era el primer occidental que pasaba por allí. También guarda un especial recuerdo de los nénets que viven en el Círculo Polar en condiciones extremas, y que cada día por la mañana desmontan su tienda en la que tienen todo lo necesario para vivir y recorren kilómetros en su trineo. En resumidas cuentas Salgado nos cuenta que ha convivido con poblaciones que habitan como vivíamos los humanos en los albores de la humanidad y ha comprobado el gran respeto de todos estos pueblos hacía la naturaleza. Todos ellos son conscientes de la necesidad de dejar que la naturaleza se regenere, y cita el ejemplo de los FUNAI que, cuando abandonan u n lugar, sólo regresan al cabo de 100 años, una vez que la tierra se ha regenerado.

En uno de los capítulos Salgado nos explica su predilección por el blanco y negro, aparte de que en un principio, con la fotografía química, el b&n era menos rígido que el color, luego se sumaron otros motivos que le han hecho seguir con él. Para Salgado el color, y sobre todo cuando comenzó a utilizar la película Kodachrome esta tan espectacular, que este se volvía más importante que las emociones contenidas en la fotografía. En cualquier caso y en sus propias palabras “… cuando miramos una imagen en blanco y negro, nos penetra, la digerimos y, de forma inconsciente, la coloreamos …/… es mi estilo, mi elección, pero también mi limitación, y a veces, mi dificultad.

Y si comenzaba este breve resumen con la primera fase de estas memorias, lo termino también con el último pensamiento que nos expresa el  autor, no sin antes recomendar por su puesto su lectura: “Para mí, la fotografía no es una militancia ni una profesión. Es mi vida. Adoro la fotografía, hacer fotos, sostener mi cámara entre las manos, estudiar los encuadres, jugar con la luz”

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José Luis Cuendia

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2º Libro recomendado abril 2014

Hace unas semanas escribimos sobre la publicación del Diccionario de fotógrafos españoles, una iniciativa de La Fábrica y el Ministerio de Educación Cultura y Deporte de España. Ahora volvemos a traerlo a nuestra página porque gracias al apoyo institucional, esta obra está disponible para su descarga gratuita.

Como ya dijimos en su día El Diccionario de fotógrafos españoles tiene un espíritu enciclopédico, sobre el pasado y el presente de la fotografía española. Por esta razón en sus páginas se recogen autores desde el siglo XIX hasta la actualidad, todos ellos acompañados por una nota biográfica o crítica y fotografías (pocas de cada uno) que ilustran su obra. La selección del diccionario es muy inlcusiva, en él hay desde la fotografía clásica a la contemporánea, desde el reportaje y la fotografía de calle hasta la moda y la publicidad, de la fotografía de archivo a la fotografía de prensa y el retrato, desde la arquitectura hasta el paisaje.

El libro, tanto en papel como en sus versiones PDF -son dos una con mayor resolución y peso que la otra, pero las dos gratuitas- se extiende a lo largo de 660 páginas. En ellas se recoge la ficha de más de 500 fotógrafos desde el siglo XIX hasta el presente y reproduce más de mil fotografías representativas tanto de los distintos autores como de las escuelas y tendencias de la fotografía española en su conjunto acompañadas por textos biográficos y críticos elaborados por estudiosos y expertos en la materia. En el caso de los fotógrafos del siglo XIX, los autores del diccionario han creído conveniente incluir fotógrafos extranjeros, franceses e ingleses principalmente, por el peso que tuvieron en la plasmación de la España decimonónica. Hay también un apartado dedicado a “Artistas” para reflejar a creadores que usan la fotografía pero no se limitan a ella como vehículo de su creación.

Gracias a su extensión y amplitud de miras a la hora de seleccionar los autores, como a la accesibilidad que le confiere el hecho de ser una publicación que se puede descargar gratuitamente de manera legal, este libro está destinado a convertirse en un referente para el estudio presente y futuro de la historia de la fotografía española.

La descarga gratuita del Diccionario puede realizarse en este enlace: Diccionario de fotógrafos españoles Recomiendo cualquiera de las dos versiones en PDF (50MB o 120MB) pero desaconsejo consultar la versión en vídeo, mucho menos ágil.

Quien desee adquirir el libro en papel para tenerlo accesible en su biblioteca como obra de consulta puede hacerlo en este enlace: Versión impresa del Diccionario de Fotógrafos Españoles 

José Luis Cuendia 

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MARZO 2014

(Este mes recomendamos dos libros que consideramos altamente interesantes)

Un libro que proporciona las herramientas teóricas para el análisis de la imagen fotográfica

Boris Kossoy es uno de esos escasos ejemplos de fotógrafos profesionales -como ocurre con el español Fontcuberta – que con el paso de los años se convierte en un estudioso de la fotografía y, a día de hoy, con numerosos libros de fotografía en su haber, es un sólido teórico de la imagen fotográfica en sus aspectos historiográficos y de análisis de la percepción de la fotografía como documento social.

Hace muchos años que Boris Kossoy viene elaborando una sólida aportación teórica al estudio de la fotografía que ha quedado plasmada en múltiples libros y artículos y ahora Ediciones Cátedra acaba de publicar en España Lo efímero y lo perpetuo en la imagen fotográfica, un volumen que reúne los mejores momentos de las investigaciones teóricas del brasileño: Fotografía e historia, Realidades y ficciones en la trama fotográfica y Los tiempos de la fotografía: lo efímero y lo perpetuo, trilogía teórica que, al proponer conceptos de un modelo metodológico de investigación y análisis crítico de las fuentes fotográficas —liberados de las amarras convencionales desde siempre pensadas para los documentos escritos— proporciona nuevos y productivos modos de abordar el estudio del fenómeno fotográfico.

En el centro del análisis de Boris Kossoy se encuentra la idea de que las representaciones fotográficas son siempre producto de una construcción por parte del fotógrafo que las toma (selecciona el objeto, el momento, la relación de los elementos que incluye, está influido por un estilo, etc.) y, como consecuencia, la imagen que capta siempre proporciona la construcción de una determinada realidad. Kossoy, en su abordaje teórico de este apasionante tema, analiza este proceso de construcción de realidades que se produce tanto en la captación de las imágenes por parte del fotógrafo, como en el momento de la percepción de éstas por el espectador. En esa construcción de las percepciones, afirma el autor, influye una compleja trama de ficciones a las que contribuyen los elementos técnicos, estéticos, culturales e ideológicos del fotógrafo y de los receptores. Cuando hacemos una imagen o cuando la vemos y la interpretamos, entran en juego los intereses más variados, los prejuicios, las diferencias políticas, étnicas, raciales, religiosas, culturales y de otra naturaleza que cada individuo alberga.

Lo efímero y lo perpetuo en la imagen fotográfica trata de sentar las bases para deconstruir todas estas influencias y poder analizar las imágenes desmenuzándolas en todos esos variados elementos intelectuales y culturales que encierran y con una metodología que posibilita una amplia articulación con otras áreas de las ciencias sociales. Se trata de un libro netamente teórico y de elevado nivel intelectual que será bien recibido por aquellos que desean profundizar en el estudio de la fotografía como producto cultural y social.

Este libro de Ediciones Cátedra se puede adquirir por 14,25 euros en este enlace: Lo efímero y lo perpetuo en la imagen fotográfica

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Este segundo libro es ideal para todos aquellos que pretendan aprender Photpshop desde cero

Libros sobre Photoshop hay decenas, pero no todos tienen el mismo planteamiento. Atlas ilustrado de fotografía digital creativa con Photoshop  (edit... es un manual bastante inteligente, que en un número relativamente reducido de páginas -256- se propone enseñar a utilizar Photoshop pero dando al lector-alumno una base que le sirva de fundamento, no solo para conocer las herramientas del programa, sino la propia esencia de la imagen digital. Me refiero a conceptos básicos como los píxeles, la resolución, el remuestreo, el espacio de color, los colores complementarios, la temperatura de color, etc. Hace todo esto, por supuesto, con explicaciones que van totalmente pegadas al reflejo de esos conceptos en Photoshop ya que el programa es el protagonista absoluto del libro.

Respecto a la enseñanza del propio Photoshop los autores de la obra -supongo que es colectiva puesto que no va firmada- hacen un planteamiento realista y eficiente. No tratan de meterse en profundidad sobre los mil botones, herramientas y combinaciones presentes en Photoshop, sino que se dedican a enseñar al lector cómo funciona el programa, cuáles son las herramientas básicas y los principios de trabajo que necesita conocer alguien que quiera aprender seriamente el manejo de este software, rey de la edición fotográfica.

De esta manera, una vez que han dedicado un capítulo a explicar el espacio de trabajo, cómo moverse por él y la caja de herramientas, el libro se mete en lo que constituye la base de la filosofía de Photoshop, eltrabajo por capas. Explica todo lo necesario sobre ellas y todo lo que con ellas se relaciona, como los modos de fusión, las máscaras de capa, los diferentes tipos de capa y sus estilos, los iconos que controlan su comportamiento, etc. Aunque la visión es completa, la exposición no resulta prolija ya que, por ejemplo, este capítulo de las capas se extiende a lo largo de unas treinta páginas llenas de imágenes, cuadros de diálogo y recuadros para resaltar conceptos.

Hay otros dos capítulos más que completarían esa visión básica de Photoshop, los dedicados a lasselecciones y a los pinceles y el texto. Con esa base explicada y aprendida, el lector está listo para empezar a procesar sus imágenes y eso es lo que el libro enseña con un capítulo dedicado a los ajustes fundamentales de imagen (brillo,  contraste, niveles, curvas, equilibrio de color, etc.) al que le siguen dos que van más allá del procesado básico, los dedicados a los filtros y al retoque de imagen. Finalmente, un último y breve capítulo da un vistazo a las posibilidades 3D y de animación de Photoshop.

Aunque este libro no toma como punto de referencia la última versión de Photoshop, creo que ese dato no resulta relevante puesto que su planteamiento didáctico se basa en explicar de cero hasta un nivel medio los conceptos relacionados con la imagen digital y el trabajo con esta herramienta de edición, algo que no varía en absoluto de unas a otras versiones del programa. Por otra parte, conviene resaltar que tanto el amplio formato del libro (23×26 cm) como el gramaje del papel y la encuadernación, en tapa dura con cuadernillos cosidos con hilo, harían pensar en una obra de mayor precio cuando en realidad cuesta poco más de 15€.

El libro puede adquirirse en este enlace: Atlas ilustrado de fotografía digital creativa con Photoshop.

 José Luis Cuendia

FEBRERO 2014

Génesis, la gran exposición fotográfica con la que Sebastiao Salgado homenajea la belleza intacta que se encuentra aún en el cuarenta y seis por ciento del planeta Tierra, cuenta en su gira alrededor del mundo con un embajador de excepción que es su libro-catálogo, una obra extraordinariamente ambiciosa que lleva el mismo nombre de la exposición, Génesis, y que ha sido editada por Taschen.

El contenido de Génesis es un emocionante viaje por los confines más remotos de la tierra donde Sebastian Salgado, para muchos el mejor documentalista vivo, muestra paisajes, animales y personas que han sido capaces de escapar de la influencia del mundo moderno en regiones polares, bosques y sabanas tropicales, desiertos abrasadores, montañas dominadas por glaciares e islas solitarias.

Génesis, el libro, no es un catálogo al uso. Sus dimensiones (24×35,5 cm), su extensión (520 páginas, incluyendo 17 desplegables dobles o cuádruples) su encuadernación (en tapa dura con sobrecubiertas) y su cuidadísima impresión ponen de manifiesto la firme decisión de artista y editores de crear un libro capaz de representar a la obra de Salgado mucho después de que la gira de Génesis termine.

Tanto el tamaño de las imágenes – a página completa y doble página- como la calidad de la impresión son capaces de hacernos sentir una emoción muy similar a la que produce la contemplación de las copias fotográficas. Pese a la gran dificultad de reproducir la obra en blanco y negro con alta calidad -Salgado sólo trabaja en blanco y negro- los impresores italianos encargados por Taschen del proyecto lo han conseguido con reproducciones magníficamente ejecutadas con una gran riqueza de grises y profundidad de tonos.

Como la exposición, el libro Génesis está dividido en cinco grandes apartados: los confines del Sur, Santuarios, África, las tierras del Norte, y la Amazonia y el Pantanal que a su vez cuentan con subapartados en función de la localización geográfica de las fotografías que reproducen. El contenido es muy amplio: especies animales y volcanes de las Galápagos; los pingüinos, leones marinos, cormoranes y ballenas del Antártico y el Atlántico Sur; los caimanes yacaré y los jaguares de Brasil; los leones, leopardos y elefantes africanos; la tribu de los zo’e, aislada en lo más profundo de la selva amazónica; la neolítica etnia korowai de Papúa Occidental; los nómadas ganaderos dinka en Sudán; los trashumantes nenets y sus manadas de renos en el Círculo Polar Ártico; las comunidades selváticas de los mentawai en las islas al oeste de Sumatra; los icebergs del Antártico; los volcanes de África Central y de la península de Kamchatka; los desiertos saharianos; los ríos amazónicos Negro y Yuruá; las gargantas del Gran Cañón; los glaciares de Alaska… y mucho más, resultado de una épica expedición de ocho años para redescubrir montañas, desiertos, océanos, animales y pueblos que han eludido la impronta de la sociedad moderna

La maquetación de Génesis tiene muy presente el  carácter artístico del material que reproduce y por eso su diseño gráfico excluye la presencia de pies de foto que distraigan de la contemplación de las imágenes. Sin embargo, la información de éstos no está ausente del libro, cuenta con un cuadernillo aparte que viene encartado y permite su consulta simultánea al tiempo que se hojean las páginas dedicadas a las imágenes.

El proyecto editorial de Taschen con Génesis no se agota en este libro-catálogo que gracias a las economías de escala tiene un precio relativamente reducido para su calidad y extensión (menos de 50 euros). Junto a él, la editorial Taschen ha producido también una edición de 100 ejemplares de cuatro obras de Génesis (8.500 euros casa una) y un libro en dos tomos de edición limitada (2.500 ejemplares) y gran formato (46,8 x 70 cm con 704 páginas y un peso de 59 k con su embalaje original) que viene provisto de un atril y tiene un precio de venta de 3.000 euros, sin duda, una gran pieza para coleccionistas.J.L.Cuendia

MES DE ENERO 2014

Photoshop CC para fotógrafos, el gran libro de Martin Evening sobre el programa ya tiene traducción en español.

Adobe, la empresa creadora de Photoshop, llama a sus gurús Evangelistas de Photoshop, y entre todos ellos Martin Evening tiene ganado el título de ser además el autor de la “biblia” del programa, el libro más extenso y en profundidad sobre el exitoso editor fotográfico. Ahora, Anaya Multimedia ha lanzado en español la última versión Photoshop CC para fotógrafos.

Aunque respecto a la edición anterior, la dedicada a CS6 ha perdido 80 páginas, Photoshop CC para fotógrafos es la obra más extensa orientada no al uso general del programa sino a su uso específicamente como herramienta para el procesado y el retoque fotográfico.

Como en versiones anteriores y fiel al estilo de Martin Evening, se trata de un texto aséptico, lleno de conocimiento y que explica en profundidad cada uno de los aspectos del programa, desde los fundamentos de Photoshop, su configuración idónea o los procesos de automatización, hasta los procedimientos de conversión a blanco y negro, la ampliación del rango dinámico, el retoque de imágenes de distintos tipo, la creación de máscaras y selecciones o el enfoque, el uso de los filtros y los efectos de iluminación, la salida impresa de las imágenes y la automatización de procesos en Photoshop.

La obra distribuye todos estos contenidos en 12 capítulos y respecto a su edición previa, ha prescindido del que anteriormente dedicaba a la gestión de imágenes a través de Bridge. La ausencia de este apartado, así como el adelgazamiento del índice alfabético (que pasa de 17 páginas a 3) y,  en menor medida, del índice de contenidos, explican que esta edición de la obra cuente con 80 páginas menos, como decíamos al principio.

Como era de esperar, el libro cubre todas las novedades correspondientes a la versión CC de Photoshop. En mi experiencia, los sucesivos libros de Martin Evening sobre cada una de las nuevas versiones de Photoshop son una obra de referencia de gran utilidad, una de esas que mantienes siempre a mano para consultar cuando llega el momento y la necesidad.  Este libro, en mi opinión, es una obra adecuada tanto para usuarios intermedios como avanzados. Creo que un principiante, aunque tiene en el libro todo lo necesario para usar el programa, quizás lo encuentre un poco árido para una primera aproximación, pese a que el libro avanza paso a paso y no da nada por sabido.

El libro puede ser adquirido en este enlace: Photoshop CC para fotógrafos

José Luis Cuendia 

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Comentario por Carlos Ramirez de Arellano el abril 30, 2014 a las 8:15am
Buena recopilación ideal para aprender o perfeccionar las técnicas.
Comentario por Graciela Díaz el febrero 3, 2014 a las 9:55pm

Para los interesados en S.Salgado, recomiendo esta entrevista: http://www.entrevista-a.com/entrevista-a-sebastiao-salgado/  / Me encantó su confesión sobre su ojo izquierdo "aburguesado"... ¡genio!

Comentario por Graciela Díaz el febrero 3, 2014 a las 9:08pm

José Manuel:  a principios de enero, 850 pesos argentinos equivalían a unos 100 €. Todo lo relacionado con fotografía -incluyendo publicaciones- lo pagamos el doble que ustedes, en euros, y con ingresos laborales un tanto inferiores, en euros. Siempre ha sido así, y no creo que cambie.

Por otra parte, la economía jamás se arreglará; porque, lo que no tiene arreglo son nuestros cerebros...

¡Gracias por el pésame! ;-)

Comentario por Graciela Díaz el febrero 3, 2014 a las 5:42pm

Estuve por auto-regalarme «Génesis» a principios de enero. Me pidieron $850. Lo pospuse, para cuando aclarara... Y ahora la devaluación, cual monzón... ¡glup! Me lo perdí. No importa; hay cosas peores. ;-)

Comentario por Miguel Campetella el enero 1, 2014 a las 7:04pm

buenísimo,  gracias por la información, saludos !

Esta es una red social de y para los amantes de la fotografía

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